流行歌曲音調識別方法研究與實現

❶ 怎麼識別音調

識別啊..... = =.... 這很復雜.... 你起碼得有一定樂理常識....
你可以下一個視唱練耳的軟體... 不過首先你得先知道這是什麼調的....
其實這個很簡單... 就是音樂的感覺... 音階的感覺... 這樣你聽多了反正就好找了.. 而且... 唉... 怎麼說呢... 反正主要是靠感覺...
比如兩個音之間的音程.... 之間的跨度...
主要還是多聽吧... 找到了一個音.. 再找另一個音... 其實超簡單... 不就是譯譜么... = =... 你要是學過樂器就不覺得難了....

❷ 流行歌曲歌唱技巧

氣息技巧：

將身體與精神放鬆一些，氣息調整均勻，空氣不要吸入過滿，不要太刻意注意姿勢及口、鼻吸氣的動作，因為身體狀況處於常態時，外界氣壓大於身體內壓力，在完成正確的吸氣息動作後，肺部即形成負壓，空氣自然進入肺部，這樣在演唱時吸氣迅速，在話筒前無任何雜音。

技巧：

1、兩肩擺在自己最自然的狀態

2、胸腔打開

3、兩肋及後腰自然

4、小腹及臀部注意協調性

5、「橫隔膜」（處於腰部「水平線」的平滑肌）注意收放的節奏

6、發音時要平穩、輕柔

練習方法：

上述狀態准備好後，以四拍為一小節，心裡數「一二三四」在數四的同時，將空氣瞬間吸入（空氣吸入不能過滿），在下一小節的第一拍發「s」音（國際音標的「輕輔音」，聲帶不振動），在發音的過程中，身體靈活自如、意識積極，肌肉不僵硬，富有彈性、神經不緊張，不鬆懈。

發音時：呼吸的相關肌體組織上、下擠壓肺部，當擠壓到極限時，左右前後繼續全方位向內擠壓肺部。向上的氣流要細而穩、集中而有力。練習曲的每個樂句，氣息和聲音都不能間斷，時間保持越長越好。肺部的空氣始終保持在肺的下二分之一處。

聲帶技巧：

發「s」的狀態不變，舌尖稍向後移，聲帶立即振動，發出一個近似國際音標/s̤/或/z/（介於「滋zi」/t͡sɨ/與「日ri」/ʐɨ/之間的音），發音時，注意力集中在聲帶上，練習曲的每個音都不能脫離「聲帶」，並要配合已練習過的氣息方法。

(2)流行歌曲音調識別方法研究與實現擴展閱讀：

「通俗唱法」也原本叫「流行歌曲唱法」（但由於隨著流行音樂及流行唱法的發展，現已與其產生較大差別，遂區別區分）。由於中外語言的特點各有不同，差異是存在的，但是也有不少共同之處。

在西方直到1900年，古曲的「美聲」和「通俗的」的歌唱方法，並沒有根本上的區別，雖然演唱歌劇要比演唱輕歌劇和流行歌曲需要更為豐滿的聲音和更高的歌唱技巧。

❸ 音樂軟體的聽歌識曲是如何實現的

可以通過判斷短時能量及短時過零率去噪、頻率-時間曲線平滑化去噪，以及基於統計的節拍修正、音調校準等方法進行修正。到了這時，仍然幾乎不可能得到完全准確的音調序列。

❹ 怎麼分辨每個歌曲的音調

你的意思是聽歌寫譜是嗎？就是聽曲子，就能寫出這曲子的歌譜，首先你要練習看譜練唱，先把每個音階都唱熟，一邊唱一邊聽，這個時候能鍛煉你對音階的聽力，這個階段是很枯燥的，最好能夠結合樂器來鍛煉，只要這個階段掌握好了，分辨音階就不成問題了，其實我覺得有音樂基礎的人才比較容易掌握，希望對您有所幫助！

❺ 如何一下子聽出一首流行歌曲音調，比如是A調還是B調

A調是以A為主音。也相當於在A調中A就唱do。你說的那個C調是do，是固定調唱法。也就是不管什麼調都唱1234567。

但是首調就不一樣了。那個音都可以當做do。什麼調式的什麼音就是1，順著向下推。就是因為有了首調，所以才有調式的升降記號。都是對照C調移的。

如C調中，1到2是全音。2到3是全音，3到4是半音，4到5是全音，5到6是全音，6到7是全音，7到1是半音。就可以讀作全全半全全全。其他的調都是這樣的關系。它是通過升降記號來完成的。

(5)流行歌曲音調識別方法研究與實現擴展閱讀：

調的命名建立在主音的基礎上，如由7個自然音級從C開始按順序排列的是就C調，將C調移高一個純五度就是以G為主音的G調。將C調移低一個純五度就是以F為主音的F調。

不同的調一般用樂譜開頭譜號後標明的調號來區別，不同的調運用到音樂作品中的 具體形式就是各種調式。

一般來講，任何一個調都包括了一個同名的大調以及這個大調的平行小調。

除此之外一個調中還能包括其他一些不常用的調式。比如中世紀歐洲的中古調式，以及其他各國的民族調式，如中國的傳統五聲調式。

❻ 如何聽一首歌知道是什麼調的

周傑倫的菊花台是C調（1=C），字母是調式，C就表示C調。

視唱練耳是學音樂的必學的課程，一般通過鋼琴教學，教師在鍵盤上彈奏音符，學生跟著唱音，先是簡單的音階順序單音，後是不按順序的C大調單音，逐漸擴大音域，再加大難度聽升降音，然後八度、雙音、和弦、片段……

樂感好的人經過反復的聽音唱音練習，特別是偏愛作曲的，會在日積月累中形成絕對音準，即只靠聽力就能百分之百准確聽出旋律中的音符，包括和弦，轉調。

(6)流行歌曲音調識別方法研究與實現擴展閱讀：

音調定義

聲音的高低叫做音調，頻率決定音調。物體振動的快，發出聲音的音調就高。振動的慢，發出聲音的音調就低。

音調解析

音調的高低還與發聲體的結構有關，因為發聲體的結構影響了聲音的頻率。

大體上，2000赫茲以下的低頻純音的音調隨響度的增加而下降，3000 赫茲以上高頻純音的音調隨響度的增加而上升。

對音調可以進行定量的判斷。音調的單位稱為美（mel）：取頻率1000赫茲、聲壓級為40 分貝的純音的音調作標准，稱為1000 美，另一些純音，聽起來調子高一倍的稱為2000 美，調子低一倍的稱為500 美。

依此類推，可建立起整個可聽頻率內的音調標度。這樣得到的聲壓級40 分貝的純音音調與頻率的關系見下表：

音調高：輕，短，細

音調低：重，長，粗

參考資料：網路——音調

❼ 流行音樂中的A,B,C,D,E,F,G調都是怎麼來的升A降A等又是怎麼來的他們對演奏的影響都是

根據鋼琴按鍵的音調來設定的。從低音到高音的順序是C D E F G A B ，升A降A同理。演奏的影響不僅涉及到音調的高低，如同一首旋律男女聲由於生理原因，導致音調區域不同，要用不同的音調來演奏。有的是歌曲本身要求某個音調以表現出獨特的效果。高昂的歌曲比如《我相信》如果用低音演奏，效果就大打折扣了。

❽ 有關於音調識別的問題

一般都以校準後的鋼琴為准（我的理解）
調式是按照一定關系（高低關系、穩定與不穩定關系等）組織起來的一組音（一般在七個音之內），並以某一個音為中心音（即主音）聯結成一個體系，這個體系就叫調式。

大調音階由七個基本音級組成。根據大調構成法則，第三、四級（mi和fa）之間、第七八級（si和do）之音的距離都是半音（即小二度）。而其他相鄰兩級之間的距離都是全音（即大二度）的音階稱為大調音階。 如C大調（自然大調）的七個基本音級為C、D、E、F、G、A、B；G大調的七個基本音級為G、A、B、C、D、E、#F，等等。

小調也是由一種七個音構成的調式，根據各音級相鄰音的音高關系不同又可分為自然小調、和聲小調和旋律小調，小調的特徵表現在主音上方的小三度，它最能說明小調的色彩和性格。如a自然小調的七個音級為a、b、c、d、e、f、g；a和聲小調為 a、b、c、d、e、f、#g等等,如非指明，我們一般稱自然小調為「小調」。

調式的色彩不同，表現為不同的表情特徵，而這種表情特徵也是相對的，並不固定為某種調式只適於表現某種思想情緒，但一般來說，大調色彩明亮，小調則較為柔和暗淡。

區分大小調，要看該曲的主音是什麼音，一般主要從樂曲的終止音上就可以看得出來，大調一般終止於主音1（do）上，小調則一般終止於主音6(la)上。

如此泛泛而談地講調式的概念，可能還是不太好理解，不過你也許由此能夠得到有關調式方面的一些初步印象或基本知識，要想進一步理解掌握好調式的概念及運用，需要有一定的樂理基礎和積累更多的音樂素材，尤其從音樂素材中去尋找共性的東西進行具體的分析與比較，不失為理解調式概念的一條有效途徑。

❾ 音樂課題研究。求助

中西音樂之淵源各異，除了因民族性所產生的色彩差異之外，主要表現於中國音樂注重的是情韻，而西洋音樂注重的是和諧。

溯本求源，西洋的和諧源於古希臘、古羅馬的數學與幾何學的科學性及數理協調性；而中國的情韻則可說是源於先秦諸子的哲學，甚或是源於古代鍾鼎的花紋及原始壁畫的動物飛騰之象。因為，「飛舞躍動」之美始終是中國諸藝術的主要特色，當代美學界巨擘宗白華也認為：「舞」是中國藝術意境的靈魂。

歸根結底，中西方的宇宙觀、世界觀的不同，是中西音樂風格形成各異的根本原因。

西洋人看世界，是採取科學的、數理性的態度，是「物我對立的」。而中國人則全然相左，如老、庄，認為宇宙是個虛靈的空間，其間只有鼓動「萬物」的「氣」才是實在的。因此，中國人的宇宙空間意識是人在「虛、空」中，是宇宙的造化：人自在虛空中，「伏仰自得」，爾我不分，渾化為一。

中國歷史沿襲下來兩種美學觀點，即「錯采鏤金」之美與「初發芙蓉」之美。漢以前，藝術美還是「錯采鏤金」之美；時至魏晉發生了一個變革，提出「初發芙蓉」與「錯采鏤金」並列。至宋，美學觀點轉移為「初發芙蓉」較之「錯采鏤金」更為美。這也是對中國古代哲學的一個發展——既然一個「虛靈的空間」充滿了「鼓動萬物之生氣」，又何必再「錯采鏤金」呢？還「宇宙」的本來面目吧。所以藝術不再是裝飾性的了，而加入了進步的思想色彩了。也因此，建立在以重情韻為基礎的中國單音音樂體系得到了進一步的發展（盡管在唐時有向復音音樂發展的萌芽）。

「和諧」的概念，中西方也不盡相同。如純指對感觀的刺激來說，中國人認為單音是最和諧的（指樂音），八度疊置其次，然後是四、五度疊置。這從中國傳統民間樂器上也能看到：胡琴的定弦一般是四、五度，特別值得一提的是笙，它的傳統發聲指法決定了一個「主音」和一、兩個「輔音」同時發聲，從而形成一個四、五度疊置的和弦。對於和弦西洋人則認為，三度疊置才是最和諧的，至少是半和諧的，而四、五度疊置的和弦反而是不和諧的！其實，和諧應該是相對的。我想，三度疊置的效果並不旨在追求其和諧，而是旨在追求其豐滿。

如果說，「形式」美是藝術中很重要的一環，對於中國則不然了。固然，也需要和諧，也需要科學，但一切都要服從於「韻味」，服從於「情」。對西洋音樂來講，「形式」美才是主要的一環。「摹仿自然」與「形式美」本是西方美學思想的兩大中心。

西方音樂從浪漫主義晚期起，寫作技法日趨繁富。其對傳統的叛逆大致從理查.斯特勞斯開始，經過德彪西的「質的飛躍」，勛伯格的「異化」，一直到斯特拉文斯基、梅西安、斯托克豪森，技法愈來愈精細，其裝飾性因素之多，正可說是前述之「錯采鏤金」。而中國人更習慣於音樂的韻味，「情」和「韻」始終貫穿於中國音樂的指導思想之中。因此，一切技法（包括寫作、演唱、演奏等）都圍繞著「情、韻」二字。
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音樂，從廣義上來說，應該是文化的外延,是文化孕育出來的精華的一種結晶形式。 因此，中西方音樂的差異主要體現在文化的差異上，文化的差異造成了審美的差異，音樂創作的差異，音樂理念的差異，樂器發展的差異等等。

首先，審美的差異：

正如《中國音樂審美導論》中提到：「在審美追求上，中國音樂藝術以『和』為理想，尚虛無，求空靈，講韻味，求深邃，講意境，求氣韻生動，強調直覺與領悟，注重生命本體。這與西方音樂求深刻，強調理性與思想，把實有，意義與情感作為精神支柱的音樂審美特點形成鮮明的對比。」在我看來，當今的音樂美學史，實際上是一部中國音樂美學思想與西方音樂美學思想互相鬥爭、交融、互補的歷史。

中國傳統音樂主要表達儒家的和諧，禮儀之美；道家的自然，天人合一；佛家的空靈，悟性，禪意等，相對比較主觀。這和中國的繪畫，書法追求神韻，重意境的審美情趣是相通的。 所以多講求和諧、 幽美、深沉，曠達等。是人的內心世界在一定的自然環境下的自然流露， 突出「情」和「景」的交融。
西方古典音樂在西方戲劇的發展背景下，著重美學及功能性，故此比較客觀。西方古典音樂以深刻嚴肅見長，突出主客對立，大都帶有正劇或悲劇色彩，體現出來的是一種藝術精神的「壯美」。所以多音域寬廣，曲調剛健、情緒激昂、氣魄宏大。

其次，音樂創作和音樂理念的差異 ：
中國傳統音樂，沒有一套完備的作曲理論與法則，較易失傳。 而西方古典音樂技術層面上有理論，有規范，有大量的文字和音響文獻，易於流傳。
中國傳統音樂以線條為主，而西方古典音樂更講究和聲。就如中國的繪畫和書法講究的是線條的藝術；西方的繪畫講究的是面，立體，光影的藝術。
中國傳統音樂注重氣息，神韻，而西方古典音樂更講究節奏，氣勢。就如中國的繪畫注重寫意，似與不似之間；西方的繪畫注重寫實，表現盛大的場面。

再次，樂器發展的差異：
上面提到，中國的音樂多是單音，旋律的，所以中國的樂器結構簡單，多是不能演奏和聲的。如笛，二胡等，但越是簡單的樂器越是能表現悠遠的意境（中國的水墨也簡單得只有墨的黑色，卻能幻化出形態萬千）比如塤，簡單的原始土陶樂器，卻能吹出千古幽思。中國民族樂器比如說琵琶、揚琴、簫、笙，嗩吶多以「絲」「竹」為材，故稱絲竹之樂，具有柔，細，清的音樂特徵。

西方樂器比方說圓號，小號，薩克斯等多以金屬為材。西方古典音樂是和聲的，多聲部的，所以樂器多很復雜，機構精細繁復，多能演奏和聲，如鋼琴，吉他等。故音色豐富，音域寬廣，表現力強。

總之，由於社會文化背景的不同，帶來音樂創作手法及審美觀的差異：在保持原有風格的基礎上相互借鑒、相互促進將是二者今後發展繁榮的必經之路！

中西方音樂由於歷史、文化等原因,存在著一定的區別,其主要表現在中國音樂著重於情韻,而兩洋音樂注重的則是音樂本身的和諧性;中國音樂發展自然過渡,一脈相承,西方音樂發展則呈塊狀結構和階段性特徵;中國音樂體現為單純的模線性織體思維,以線條為主,而西方音樂則傾向於橫交叉的立體狀織體思維,更講究和聲;中國音樂語言偏重心理,略於形式,極富變數,為開放性結構,而西方音樂形式嚴謹,結構具有封閉性特徵;中國音樂尚善尚美,追求虛靜空靈的意境,注重感覺,而西方音樂卻講究理性與情感的統一,追求力度與強度,樂思明晰而實在.