㈠ 美術作品分析怎麼寫
一、 古埃及、兩河流域
埃及和兩河流域⒁是人類文明最早的發祥地。早在埃及古王國時期（約公元前2686－前2181年），它在建築和雕刻方面都已取得了很高的成就。著名的胡福金字塔、獅身人面像和拉荷特普及其妻諾夫爾特公主像，就是其中的代表作。（用多媒體展示並補充相關圖片）
金字塔是埃及法老（即國王）的陵墓。胡福金字塔是埃及最大的金字塔，高146米，故亦稱大金字塔。它不僅突出地體現了古埃及無與倫比的建築技術，而且具有很強的藝術表現力。它以巨大而又極其單純的幾何形體，給人以高大而又無比穩定的感覺，充分體現了統治者的權勢與神聖。
與胡福金字塔相鄰近的獅身人面像，高約20米，長約57米，高達6米的頭部據說是法老哈夫拉的容貌。建造這尊巨像的目的，是為了護衛哈夫拉金字塔前祭殿的大門。在古埃及人的心目中，獅子是力量的象徵。所以，獅身人面像實際上也是神聖不可侵犯的法老權力的象徵。（用多媒體展示並補充相關圖片）
出於和建造金字塔、獅身人面像同樣的目的，古埃及統治者十分重視自己雕像的製作。他們常將自己的雕像放置在自己墓室里。拉荷特普及其妻諾夫爾特公主像通體著色，人物形象安詳、莊重，公主的形象尤其生動、優美。用寶石嵌成的人的眼珠，使雕像顯得更加栩栩如生。（用多媒體展示）
與埃及文明幾乎同時期的兩河流域文明，在美術方面也有重要的成就。公元前七世紀的著名浮雕《受傷的母獅》，十分引人注目。身中數箭的母獅，滿身鮮血淋漓，身子的後半部已癱倒在地，但它健壯的前爪仍在掙扎著想從地上站立起來。那昂頭怒吼的神態，極其悲壯。像這樣極其真實而富有生氣的藝術形象，在那一時期的美術作品中是不多見的。（用多媒體展示並補充相關圖片）
二、 印度
印度是世界文明古國之一。世界三大宗教之一的佛教便產生在公元前六世紀的印度。從孔雀王朝（公元前324-前187年）到笈多王朝（公元4-5世紀）這近千年的歷史中，佛教美術得到了很大發展，且對亞洲其他各國佛教美術產生了重要的影響。現存的等身大的佛立像，是笈多王朝時期佛像雕刻的代表作。佛像的姿態肅穆慈祥，袈裟緊貼身體，衣褶清晰，線條流暢，頭後有精緻華麗的光環，表現了一種庄嚴靜穆之美。（用多媒體展示並補充相關圖片）
印度莫卧兒王朝時期（公元1526-1858年），由阿拉伯國家傳入的伊斯蘭教十分流行，各地興建了許多清真寺（21）和其它伊斯蘭教風格的建築，被稱為「印度的珍珠」的泰姬陵就是其中最著名的代表。這是莫卧兒王朝全盛時期的皇帝沙賈汗為紀念他早亡的愛妻泰姬·瑪哈爾所建造的陵墓，由來自波斯、土耳其、法國、義大利等國傑出的工匠共同設計建造。1632年破土，1648年建成。陵墓全部用潔白如玉的大理石建成，象徵泰姬的美貌和愛情的純潔。陵墓的藝術形象既有肅穆的紀念性，又具有開朗的親切感。各部分之間比例勻稱，既講究對比，又十分統一和諧，是一件精美無比的建築物。（用多媒體展示並補充相關圖片）
三、 古希臘、羅馬
古希臘和古羅馬是歐洲古代文明的發源地。它們在雕刻、建築等方面創造的輝煌成就，奠定了西方美術的基礎，對後世產生了深遠的影響。（用多媒體展示並補充相關圖片）
米隆⒂的《擲鐵餅者》，抓住了一個極富表現力的瞬間，完美地表現了運動員健美的身體和強勁的力量，充分顯示了古希臘美術家塑造人體的高度技巧。（用多媒體展示）
取材於古希臘神話的著名雕刻《拉奧孔》⒃，以它精心的構思和對人體解剖的深入理解，在保持人的形體美的前提下，表現了拉奧孔及其兩個兒子身遭巨蛇襲擊時痛苦掙扎的情景。（用多媒體展示）
世界建築史上的傑作、古希臘的帕特農神廟，採用古希臘建築的典型形式——列柱圍廊式，造型莊重宏偉，各部分比例勻稱，風格開朗，並配以大量精美的浮雕，從而成為西方古典建築的典範。（用多媒體展示並補充相關圖片）
古羅馬的美術是古希臘美術的繼承和發展。華麗的《奧古斯都像》是羅馬帝國第一任皇帝（公元前27-後14）的肖像。奧古斯都⒄的形象像一個被神化了的英雄，赤著雙腳，腳旁的小愛神丘比特，暗示出他受愛和美的女神維納斯的庇護。雕像的寫實風格使人聯想到傳統的古希臘雕塑。（用多媒體展示）
按照這格式寫就可以了
㈡ 藝術創作的主要步驟是什麼
指藝術家以一定的世界觀為指導，運用一定的創作方法，通過對現實生活觀察、體驗、研究、分析、選擇、加工、提煉生活素材，塑造藝術形象，創作藝術作品的創造性勞動。藝術創作是人類為自身審美需要而進行的精神生產活動，是一種獨立的、純粹的、高級形態的審美創造活動。藝術創作以社會生活為源泉，但並不是簡單地復制生活現象，實質上是一種特殊的審美創造。藝術家是藝術創作的主體，其生活積累、思想傾向、性格氣質、藝術修養是藝術創作得以順利開展和最終完成的基礎和前提。
藝術家創作藝術作品的步驟：從特定的審美感受、體驗出發，運用形象思維，按照美的規律對生活素材進行選擇、加工、概括、提煉，構思出主觀與客觀交融的審美意象，然後再使用物質材料將審美意象表現出來，最終構成內容美與形式美相統一的藝術作品。
藝術創作的動機，大致有以下四大類：泄情動機；興趣動機；成就動機；私慾動機。在各種各樣的創作動機中，只有符合藝術創作活動的審美性質和規律的，才能創作出真正的藝術作品。藝術創作與藝術欣賞、藝術批評彼此制約，有著緊密的聯系。藝術創作是藝術欣賞和藝術批評的基礎和前提，為欣賞和批評生產對象。沒有藝術創作，就沒有藝術作品，也就沒有藝術欣賞和藝術批評。藝術欣賞和藝術批評對藝術創作又具有反作用，具體表現為：藝術欣賞以「消費」的形式刺激藝術「生產」，從「消費」方面賦予藝術「生產」以切實的社會價值和功能；藝術批評則從理論上指導、影響藝術創作，從而溝通創作與欣賞的關系。藝術創作是十分復雜、艱巨的精神勞動，它要求藝術家必須具有高尚的思想情操、深厚的生活積累、豐富的審美經驗、出眾的藝術才能和嫻熟的藝術技巧。
㈢ 美術作品是如何創作的
藝術作品是藝術家對生活的觀察、研究、選擇、提煉，把對生活的認識、評價、願望、理想，用藝術手法塑造藝術形象來的一種創造性勞動。
任何藝術創作都以現實生活為唯一的源泉，但又比普通的實際生活更集中、更典型。所謂藝術「源於生活，高於生活」。
藝術創作的過程，主要有素材結累、作品構思、藝術表現三個階段。各階段互相交錯，互相滲透，互相推進，是不能截然分開的。
㈣ 藝術作品的創作過程包括哪些環節具體分析一幅作品的誕生過程
完整的美術創作過程應該是以豐富的生活感受為起點，經過精神的創造活動，進而到形象或形式的創造過程，最後體現為物化形態的美術作品。即，美術創作是一個從審美認識到審美表現，從藝術構思到藝術傳達的過程。可見，美術創作過程可以大致分為兩個方面和兩個階段：第一、審美認識階段；第二、審美表現階段。在每階段中，又可以概括地分為兩個環節（或稱步驟）：在審美認識階段，主要是美的發現（藝術發現）和藝術構思（形成美的意象）兩個環節；在審美表現階段，大體上有形象或形式探索（藝術練習）和藝術製作兩個環節。需要指出的是，美術創作過程中的這些環節實際上是緊密聯系並互相交織在一起的，是不斷反復的和相互影響的，並不是簡單循序漸進或截然分開的。
藝術發現是指從對生活的觀察、體驗、積累到美的發現，並產生創作沖動的過程。美術家都有自己的審美觀念和審美理想，當他從現實生活的個別現象出發開始自己的審美發現時，他的著眼點始終在尋找一種美的形象，即現實生活中那些能夠完全體現事物本質的生動的形象。在反復的深入觀察體驗和積累過程中，一旦發現或找到了那具有本質特點的現象或形象，即是美的發現。這種美的發現通常會直接激起美術家的感情激動和創作慾望，或稱創作沖動。創作沖動的來臨，意味著美術家受美的發現和情感體驗的啟示，預感到自己有了模糊的創作主意和內心視象，並產生了將其表現出來的強烈慾望，由此推動他進入創作的具體構思階段。
藝術構思（狹義的），指美術家在孕育具體美術作品的過程中所進行的思維活動。如果說藝術發現主要是審美認識過程中的感性認識階段，那麼，藝術構思則是審美認識過程中的理性認識階段。藝術構思的目的在於實現對藝術發現的質的飛躍，在於在內心形成典型化的審美意象。在這個過程中，美術家的審美意識會不斷產生作用，對藝術發現（生活中的現象）進行分析、概括、綜合、加工、合成，最後形成了一個他認為負載了他的審美理想的內心形象，即審美意象。審美意象的形成，標志著構思活動的完成。
審美意象尚是意中之象，需要美術家運用藝術表現手段具體地把它傳達出來。創作中的傳達活動就是美術家運用物質媒介材料和技藝手段，將其審美意象物化為藝術作品的過程。這個過程在小型的美術作品或某些美術門類的創作中可能比較簡單，可以是一揮而就或一氣呵成。但在大型美術作品中，特別是大型主題性、大場景多人物的情節性繪畫創作中，則往往要復雜得多，甚至需要經過多次的反復。在後一類創作中，美術傳達過程又可大致分為兩個環節，即藝術練習和藝術製作。藝術練習也可稱預成練習，在這個環節中，美術家對其藝術構思所得的審美意象進行嘗試性表現。預成練習實質上是對審美意象不斷地進行明晰化、完善化的確定過程。這是因為，審美意象是藝術家的腦中之象，始終帶有某種程度的不確定性，往往是若明若暗的，甚至是稍縱即逝的。審美意象的這種特性渴求著自我的不斷明晰化，而美術家的預成練習就是運用媒介材料和表現技法，將意識中尚不完全確定的審美意象確定下來，使其在繪畫的過程中不斷明晰，並不斷提煉和完善。在這個過程中，美術家往往會數易其稿，對形象的提煉、情節的選擇、構圖的組織、形式和技巧的探索等等進行反復的准備性和實驗性練習，產生大量的草圖或實驗性習作，直至找到比較滿意的預成習作（或稱定型意象），作為最終藝術製作的「藍本」。這個環節，既與藝術構思密切相關，是不斷深化藝術構思的過程，又與藝術製作直接相連，是不斷完善藝術表現的過程。
最終的藝術製作就是將「藍本」放大製作成正式的美術作品。不同門類的美術家運用特定的物質媒介、藝術語言和技巧手段，將其審美意象物化為最終的定稿—美術作品。這一過程並不是機械的製作過程，其中同樣包含著審美的精神創造活動，包含對審美意象的進一步修改、充實、完善的努力。其實，最終製作與預成練習之間，預成練習與藝術構思之間，藝術構思與藝術發現之間，並不存在截然的分界。美術創作從審美認識到審美表現的過程，就是美術家在自己頭腦中建立審美意象，並對其不斷加工改造，使之不斷明確化、完善化，並最終獲得物質的存在形式的過程。因此，一件美術作品在其最後定稿之前，就一直處在認識與表現、構思與傳達的反復的、統一的過程中。
對於美術創作活動的四個環節，在現實的美術創作中，常常被概括為美術創作的四個步驟：立意、構思、習作和製作完成。這種概括大致與四個環節相吻合。
第一個環節：搜集生活素材，體會生活情趣，表現自我感受及認識——作者的創作的過程第二個環節：是觀賞者觀賞、共鳴、再認識及升華的再創造過程沒有作者就無所謂藝術，只有作者那是孤芳自賞，一幅優秀的作品是需要優秀的藝術家及有審美經驗的欣賞者共同創作完成的。
㈤ 淺談如何指導小學生進行美術創作
海口市英才小學 張天 摘要：小學生繪畫創作能力的培養，在美術教育的范疇中是很重要的一部分，而對如何指導的方法和形式也是多樣的，我的指導方法是：畫高興的事、畫身邊的事、大膽想像，畫我所想、實地觀察，是創作不可缺少的過程。關鍵詞：如何 指導 創作 自從我擔任小學美術教學工作以來，使我有更多的機會接觸了學生，並專門從事了少兒美術教育的實踐。在我的努力下，至今已指導有兩百多名學生的美術作品在全國、省、市的各類少兒書畫比賽中獲獎，其中還有一些學生的創作還在報刊上發表……。少兒美術創作能獲得初步成果，是在加強少兒美術基礎訓練的同時，不斷地解決學生在美術創作中遇到的困難而取得。 針對如何指導學生進行美術創作，我平時著重作以下三方面指導： 一、畫高興的事 兒童的生活豐富多彩，可創作的題材多之又多，可是學生總是感到選擇題材難，經常總是依賴老師來制出定具體的題目，這主要出於兩方面原因：一是缺乏觀察和分析的能力；二是生活豐富多彩，反而無從著手。於是，我在指導創作時，啟發他們先從自己的身邊尋找題材，先從自己親身經歷的感興趣的人和事入手。有一個四年級的小朋友，為了創作一幅畫參加市裡比賽，苦思冥想好多天，仍然找不出題材。我有意和他交談，談學習，談生活，談畫畫，激發他的創作熱情，並啟發他尋找生活中最有意義而最快樂的事。我問他最高興的是什麼事？他高興地說：「到白沙門公園玩最高興!」他還具體地說出上周末和爸爸到白沙門公園遊玩的具體過程以及玩了哪些項目等等。我就幫她選定《開心的周末》這個題材，並明確要求他把最喜歡玩的項目畫下來，然後畫成一幅兒童畫。他按照我的指點，認認真真地完成了一幅創作草圖，再把自己和爸爸也畫了上去，經過兩次修改而定了稿。之後，我又指導他用彩色水筆、油畫棒和水粉顏料結合的畫法而畫成一幅兒童畫《快樂的周末》。這幅畫雖然在造型和用筆上較稚嫩，但卻是他的生活中最有意義的事例的寫照。這幅畫在市裡的少兒書畫比賽中得了銀獎。二、畫身邊的事 在2008年5.12汶川大地震後，在學校舉行的為災區獻愛新的捐款儀式上，許多小朋友和老師一到，走上主席台，捐上了自己微薄的一份愛，這是多麼有意義的活動啊，我又抓住了這個好題材，給所教的學生們安排了這一繪畫主題。結果有不少學生創作出了較好的作品，我期待著以後有機會往上送去參加比賽。其實象這樣的校園活動平時很多，在我英才小學的活動就更多了，如我們的四大節，四大德育主題活動等，都可以成為學生創作的題材，通過這樣的主題創作，不失時機地為學生滲透了愛國思想教育。 三、大膽想像，畫我所想 有的家長埋怨自己的孩子缺乏想像力，只會臨摹，不會創作；有的家長老是指責自己的孩子這里畫不像，那裡畫差錯，甚至迫使少年兒童按大人的想法去畫……這種情況，反映出了兩方面的問題：一方面家長自身缺乏引導孩子作畫的能力；另一方面忽視少年兒童年齡特點，以成人的思維限制了少年兒童天真的想像力。實際上，小孩在小學階段，受到老師的啟蒙教育，開始懂得一些東西，想像思維能力進最活躍的時期，只要教師啟發得好，指導得好，是可以使們峨出令人贊嘆的畫幅來的。但是，也不可不承認，由於種原因造成孩子之間想像思維活動的差別。這，就進一步說明，美術教師務必採取有效的指導手段，啟發引導少年兒童自覺進入想像思維，然後能創作出美術作品來。我認為，從臨摹、默寫和添畫，過渡到創作，這方法是行之有效的。我曾為三年級的學生命題創作《未來的機器人》，分步作畫活躍其想像思維：第一步看著書臨摹各種機器人，第二步在原基礎上創作機器人，造型可以誇張，讓他們從畫一個畫到三個四個不一樣的機器人……，第三步畫出機器人在做什麼 。讓他們放開想像，結果他們把機器人畫得有各種各樣的功能，有各種各樣的本領。最後還增添上各種色彩，色彩可以鮮艷。這些出於兒童之手的美術佳作，竟使一些家長和老師為之驚訝。四、實地觀察，是創作不可缺少的過程 一般兒童到了八九歲左右，開始向寫實的方向發展。他們已不滿足圖畫游戲，他們會把自己畫出來的東西和真的作比較，特別是10左右的兒童到了思維發展的關鍵年齡，他們追求遠近層次和立體效果，並開始注意形體結構和比例大小等。因此，在這個階段，培養學會對事物進行觀察，對少年兒童的創作必有很大益處。 海南自建省以來，海口的面貌也發生巨大的變化，由原貌破舊的小城市變成了美麗的濱海旅遊新城市。馬路、商廈、公園、橋梁、輕軌、碼頭、飛機場、火車站、立交橋……一切都是嶄新的。命題《美麗的海口》，要求學生創作美術作品，應當說．他們是有東西好畫的。可是他們反而感到困難。原因是，他們希望自己能畫出海口真實的新面貌。如果閉門造車，難免創作失敗。於是，我先給他們欣賞海口是美景圖片，讓他們找時間跟著爸爸媽媽到外面看看，親自到實地觀看和拍照，讓他們有更多的機會進行仔細觀察。這樣，不僅培養學生熱愛家鄉熱愛祖國的思想感情，而且是提供他們進行美術創作的好素材。有了素材，加之少年兒童的大膽構思，一幅幅反映海口新貌的彩色畫圖就陸續地創作出來了：《世紀大橋》、《萬綠園》、《假日海灘》、《海口火車站》、《海口的大廈比山高》和《海口的天橋》……這些反映美麗海口的畫幅是少年兒童的新作力作，在省市的少兒書畫比賽中獲得了不少榮譽。 小學生繪畫創作能力的培養，在美術教育的范疇中是很重要的一部分，而對如何指導的方法和形式也是多樣的，以上幾點是本人在平時工作中積累的一些粗淺體會和見解，在這里且當拋磚引玉之用。願廣大美術教育工作者能在教學中不斷去實踐、去總結，共同努力去探索出更多更好的經驗來。
㈥ 美術鑒賞的一般方法和步驟
對於一般人來說，能否欣賞一幅繪畫作品常常是能否「看懂」，他們的欣賞步驟是：畫的是什麼？畫得像不像？畫家畫這種形象的寓意是什麼？如果都回答出來了，便認為是看懂了，如果回答不出來，便認為是看不懂。這種方法就是一種傳統的講「故事」的方法，他們對於繪畫作品的欣賞往往過多藉助「文學性」的描述。那麼，用這種方法來欣賞中國畫，一般來說，工筆的、寫實的作品就容易欣賞，因為它是具體、真實，看得懂。
但如果是粗放的。寫意的作品，尤其是水墨寫意的作品，就較難欣賞了，因為它不寫實，形象不具體，就看不懂，而且更無從知道作者的寓意了。當然，一般人用這種方法欣賞繪畫是完全可以理解的，因為畫得像，看得明白，才容易引起聯想、產生共嗚。但是我們必須明白，一幅繪畫作品的好壞，卻不是以「像」或「不像」來衡量的。
就藝術而論，我們衡量一件繪畫作品的好壞，或我們欣賞一件繪畫作品，首先不在於它像或不像，而在於繪畫作品的主題，或者說繪畫作品中所輻射出的某種觀念、某種思想、某種情緒，能否緊緊地抓住觀賞者的心弦，能否給人以充分的藝術審美享受，並使人從中獲得某種啟迪和教育。應該說，這才是一切藝術作品的真正目的。像與不像僅僅只是作品一種達到目的的手段而不是目的本身。因此像與不像就不能作為衡量作品的好壞或欣賞作品的標准。
那麼，畫家們是怎樣來看畫的呢？就國畫而言，內行人看畫一般是看畫面的整體氣勢，用美術術語來說就是先體味其「神韻」，或者「神似」，然後再看它的筆墨趣味，構圖、著色、筆力等。最後才看它的造型，即像不像或「形似」。內行人的這種抓「神韻」的欣賞方法當然是抓住了實質，因為「神韻」就是一種高的藝術審美享受，常常是中國畫家們的追求達到的目標。
當然，一般的人要從畫中去體驗到一種「神韻」卻並不是一件容易的事，那不但需要一定的審美能力、藝術修養，也還需要具備一定的繪畫方面的基本知識，特別是通過繪畫而訓練出來的一種「感覺」。所以要很好地欣賞繪畫，還得具備多方面的才能和藝術修養。
但是，如果我們從以下幾個方面去欣賞繪畫作品也許更能理解一些。有人提出，藝術的欣賞需要經過審美感知、審美理解和審美創造三個階段，那麼從這樣三個方面去欣賞繪畫作品是很有道理的。
審美感知就是要求我們直觀地去感知審美對象，即藝術作品本身，我們可以去感知作品上畫的是什麼？畫得像或是不像，色彩是鮮明的或是灰暗的，線條是流暢的或是笨拙的，表現手法是工筆的或是寫意的等等，總之要自己親自地平心靜氣地進行直觀的感受。第二步，在審美感知的基礎上進行審美理解。即在直觀感受的基礎上，進行理解和思考，把握作品的意味、意義和內涵。這種理解包括對作品的藝術形式和藝術技巧的理解；對作品表現的內容和表達的主題的理解；以及對作品的時代背景和時代精神的理解等等，這就需要充分調動我們的思考能力。
我們可以一步一步地想下去：作品畫的內容要表現什麼？是怎樣表現的？所採用的藝術手段是否恰當？能否充分地表達出主題？同時，透過作品的畫面，猜測作者的心思，是熱情地歌頌或是辛辣地諷刺；透過畫面的氣氛，體驗畫面的情調：是深沉或是豪放，是樂觀或是悲傷。再還可以根據已有的知識結構，結合作者的身世、創作特點和所處的時代背景等進行分析。
到了這一步，藝術的審美欣賞並沒有完結，還有一個審美創造階段。就是通過審美的感知和審美的理解後，在對作品審美的基礎上進行再創造，通過自己積累的審美經驗、文化知識、主活閱歷等進行豐富的聯想、升發開去，再創造出一個新的意象來。這樣，你才真正獲得了啟迪和教育，欣賞繪畫才獲得了真正的意義。青少年朋友們不妨用這種方法去欣賞中國畫（或其他繪畫），認真試一試，看能否有所收獲。
㈦ 美術創作的主要藝術語言與創作方法
什麼是美術作品的藝術語言（板書）：
（！）美術語言是一種特殊的語言，他主要由形體、明暗、色彩、空間、材質、機理等視覺語匯組成。美術作品的藝術語言不同與文學語言，在文學中，每個詞都有自己的獨立意義，比如"美麗""漂亮"，而美術語言就必須經過藝術家的有機組合才能成為藝術語言。比如一條圈，一條不規則的曲線或一條直線，這是毫無意義的，但是如果通過一定的創造法則，那麼就完全不一般了。（見課件）象馬蒂斯的《女人像》，就是用有變化的線條為藝術語匯，通過畫家的組合，形成一種獨特的藝術語言。我們可以看到，線條具有驚人的抽象能力，色彩，明暗等一些藝術語匯全被省略掉了，線和點主宰著一切，富有彈性的線條和形象緊密的組合在一起，構成了一個俊美、靚麗的婦女形象，與此同時，彈性有變化的線條產生了一種節奏感和生命活力感，傳達了一種躍然紙上的歡樂之情。如果在其中抽出一條線條，他將變得毫無意義。
1）形體：包括點、線、面、體。，
在美術的藝術語言中，點則 具有大小不同的面積或體積， 在平面上的點，由於大小、位置的不同， 可以使人產生不同的視覺感受，給人以不 同的情緒感染。在工藝美術的圖案設計中， 可以利用點構成各種優美的圖形。中國山 水畫中傳統的點苔法就是以各種形狀的點 來表現山石、地坡、枝幹上和樹根旁的苔 蘚雜草。這些點既是表現具體物象，又具 有一種獨特的美。在三維空間中，線是塑造形體的外輪廓線和標明形體 內部結構的結構線。所以，線在造型中具 有很重要的作用。線條能表現為一種心 理和情感的效果。（見課件：由學生選擇並簡單的講理由）水平直線給人以 平靜、沉穩、舒展、安寧的感受；垂直線 給人以挺拔、剛毅、庄嚴的感受；自由曲 線給人以自由、活潑、流動與愉悅的感受。 此外，線條還能表現出一定的空間關系。 例如兩條粗細不同的水平直線位於同一平 面時，粗的線使人感到它離人比較近，細 的線則使人感到離人比較遠。以線條作為 最基本的造型手段的中國傳統繪畫，在運 用線條這一藝術語言方面積累了極其豐富 的經驗。例如，以墨線勾描物象、多不著 色的白描，僅憑簡練的線條就可創造出動 人的藝術形象，如宋代著名的《朝元仙仗 圖》，或稱《八十七神仙卷》。中國古代 人物畫創造的"十八描" 就是為了表現中國古代人物衣 物褶紋而創造的用線方法。
面在美術的藝術語言中，比點、線更顯示 出具體的形，所以，談面實際上涉及到形。 各種幾何形給人以不同的視覺感受，例如 方形給人以方正、堅實的感覺；橫長方形 給人以平靜、沉重的感覺；豎長方形給人 以高聳、偉岸的感覺；等腰三角形給人以 向上與穩定的感覺。 以造型為主要特徵的美術，形的重要性遠 勝過於其他藝術，因為沒有形，也就沒有 美術。具有造型實體的建築藝術，其重要 藝術語言就是形。通常所說的一座建築的 立面，如希臘帕底農神廟和我國山西五台 山佛光寺大殿的正立面，體現了兩種不同 風格的建築美，同時，在立面的處理上都 運用了諸如對稱、均衡、比例、節奏、韻 律、虛實等一系列形式美法則。
體即體積，因此，體與形狀 體積是密不可分的。人對大小形體的感覺 是絕不相同的，大的體積，給人以雄偉、 沉重等感覺；小的體積，給人以靈巧、輕 松的感覺。例如，現今分布在江蘇南京及 其鄰近的許多南朝陵墓石刻，大多是表現 傳說中的瑞獸，它們都具有形體碩大，氣 勢逼人的特點，人們遠遠望去，其鮮明有 力的體形便給人以深刻的印象，使人產生 一種敬畏的心理。再如，中國古代的樓閣 式佛塔和歐洲中世紀的哥特式教堂，兩者 都有高聳的體形，但體形並不完全相同， 中國佛塔的層層屋檐形成了許多水平線， 輪廓飽滿而富有張力；哥特式教堂的立面 充滿了垂直線，呈現出一種強烈的升騰之 勢，藉此體現了基督教徒嚮往"天國"的 精神。
（2）明暗：明暗是自然界的物理現象，有光必然會造成物體接受光的不規則性，從而產生了明暗變化。自達芬奇總結出"明暗轉移法"後，他就成為西方繪畫表現立體感主要藝術語言之一。他強調畫面上的明暗的過度是連續的，像煙霧一樣，沒有截然的分界線。
（3）色彩是最具有感染力的美術語言，例如，凡是偏向於紅、橙、黃的 色相，由於能引起人對太陽、火光等的聯 想，給人以暖和的感覺，被稱為"暖色"； 偏向於青、藍、綠的色相，使人聯想到天 空、海洋等，使人產生寒冷的感覺，這些 色相就被稱為"冷色"。明度和純度均高的色彩給人以 華麗的感覺；明度、純度均低的色彩使人 感到朴實。美術家們正是利用色彩的這些 特性結合其他藝術語言，創造出富有感染 力的藝術形象。
（4）空間：是指物質存在的一種客觀形式， 由長度、寬度、高度表現出來。各個門類 的美術總是存在於一定空間之中，所以， 美術又稱"空間藝術"。在美術中，因其 種類不同，空間性質不盡相同。一般說來， 空間意識產生於視覺、觸覺和運動覺中。 這些由人的感覺感知的空間，其性質也是 不同的。一般地說，繪畫、書法篆刻、攝 影藝術的空間性質依靠視覺；雕塑、工藝 美術和建築藝術，除視覺外，還依靠觸覺 與運動覺。具體地說，繪畫是通過透視、 色彩、明暗等手段，在平面上產生現實空 間的假象。繪畫、攝影藝術和雕塑藝術中 的浮雕上形成的空間的錯覺，使畫面上的 空間分為近景、中景和遠景 3個層次。具 有真實的體積感的空間是真實的實體。特 別是建築藝術，"空間是建築的主角"。 建築與其他藝術的最大區別就在於它具有 可供人使用的空間而且空間的形狀、大小、 方向、開敞或封閉、明亮或黑暗，對人具 有強烈的情緒感染的作用。例如，一個寬 闊高大而又明亮的大廳，令人感到開朗舒 暢；小而平易的空間給人以溫馨，大而變 幻的空間使人感到迷惘；開闊的廣場令人 振奮， 四周圍有高牆的小廣場給人以威 懾……這些都說明建築的空間具有一種藝 術感染力量。
（5）材質和肌理：任何藝術都要依靠一定 的物質材料，如寫小說需要筆、紙和墨水， 但是，這些材料對於創造小說中的藝術形 象沒有多大的關系。然而，美術則不同， 各個門類的美術所創造的藝術形象與它使 用的物質材料密切相關。中國畫、油畫、 版畫等畫種的特點，很大程度上取決於它 使用的物質材料，用質地細膩、潔白的漢 白玉或大理石塑造的少女的雕刻，顯然比 用陶土塑造的形象更動人；現代流行的玻 璃幕牆建築顯然比使用一般材料的建築更 使人賞心悅目；中國傳統的書法、篆刻藝 術離開了它使用的物質材料是很難想像的； 攝影藝術更是與它使用的膠卷、洗印葯品 等物質材料的性能和質量密切相關。所以， 物質材料在美術創作中的運用，不僅是創 造藝術形象的手段，而且物質材料的性能、 質量的好壞也與審美價值密切相關。
所謂肌理，是指美術作品表面的質感， 具體地講，就是美術作品表面的紋理，經 觸覺和視覺所感受到的起伏、平展、光滑、 粗糙、精細的程度。在繪畫藝術中一般稱 為筆觸，即繪畫中之筆法。例如，在油畫 中，畫家常用稀薄的顏料、輕勻柔潤的筆 法渲染出縹緲的雲天和明凈的水面，而用 濃重的顏料，重疊堆砌的筆觸畫出堅硬的 岩石和厚實的土地。在工藝美術作品中， 光滑的綢緞與粗毛線的編織物呈現出兩種 不同的肌理美。所以，合理運用材料的肌 理效果，也可以增強美術作品本身的審美 價值。正因為如此，材質和肌理也是美術 的藝術語言之一。
㈧ 繪畫作品的四個步驟
一、學會觀察
觀察是學習繪畫的第一步。事物的發展總是遵循認識—了解—熟悉的規律，而觀察又貫穿其中。集中精力觀察，使心安定下來，最好能達到忘卻一切事物的境界。只有仔細觀察，做到「胸有成竹」，才能抓住事物的特徵將它畫下來。
按照先整體後局部的原則。首先整體觀察，主要觀察事物的形狀、顏色等；其次觀察局部，反復比較事物各個部分的比例大小，從整體上對事物進行記憶，並使之存儲在腦海中，以備日後用到，即我們平常所說的積累素材。
例如我們要對一株花進行觀察。先整體看這株花生長的姿態，其次分別看花的分布、形狀、顏色等，再次從更細微處看花瓣的形狀及其排列的順序等，最後看葉子的分布、形狀、顏色及枝乾的生長狀況。
二、最常見的景物中有很多規律，「常識」和「成見」是觀察的障礙
要撥開「常識」和「成見」的表面去觀察內部規律，重新認識，使一切都充滿了新鮮的感覺。持之以恆，加強練習，繪畫是造型藝術之一。造型能力的高低強弱，直接影響到作品的表現效果，訓練造型能力的方法以速寫為主，訓練過程中，應從易到難，由淺入深，循序漸進。動手練習繪畫的對象隨處都有，一樹一石，建築屋宇，都是速寫的對象，不必一定到高山大川才練習。觀察比較後可以當場寫生，也可以事後根據記憶將它畫下來。記憶多少就畫多少，反復體會反復修改。時間長了記得就多了，畫的也就越多、越快、越好。
練習是學好繪畫最重要、最有效的方法，必須持之以恆，經常動手。像義大利著名的畫家達芬.奇小時候練習畫雞蛋，後來厭煩了，老師告訴他世界上沒有一模一樣的雞蛋，練習畫雞蛋就是訓練眼力（觀察力），提高繪畫的技巧，使他能畫得更准確、更快。達芬.奇出名以後也時刻不忘記練習，一次他在一家餐廳吃飯，吃著吃著就在桌面上練習起繪畫來，可見練習對繪畫技巧的提高是多麼重要啊！
初學者開始宜由簡到繁，由小到大，由少到多，循序漸進；切勿貪多求大，畫復雜的對象。
三、不斷提高欣賞水平
繪畫的好壞，在一定程度上取決於一個人的欣賞水平。如何提高欣賞水平呢？這要求我們經常參觀畫展，看優秀的美術作品，向水平比我們高的人學習。對於優秀的美術作品，看他們運用筆墨、線條、色彩的技巧和方法，大家互相討論交換看法，取他人之長補己之短。時間長了我們的欣賞水平也就提高了，繪畫水平也會隨之提高。
四、緣物寄情
學習繪畫不僅要有基礎知識和基本技能，更需要有豐富而淵博的知識。在描繪物象時，我們不能忽略了物體的生長特性、規律、環境等因素，而世界上物體千千萬萬，我們需要了解的知識就有千千萬萬，這就需要我們不斷的學習，博覽群書，了解歷史、社會的發展，了解人文、地理的科學知識，這樣你的繪畫就會充滿科學的意義，有深刻的內涵，借用物體來表達你所要表達的思想感情，得到人們的欣賞和喜歡。
㈨ 關於美術教育實習調查報告
今天的造型藝術，以其多元的視覺形態沖擊著我們的眼睛，令我們的視覺神經得不到片刻的休息。繪畫、攝影、多媒體、電影、建築、雕塑、裝置、服裝、表演、行為藝術等使造型藝術世界不斷擴大蔓延，甚至無法定義。
西方在文藝復興以後至19世紀中期，其藝術形式就不斷地翻新。尤其是出現印象派之後，立體主義、野獸主義、抽象主義、達達主義、表現主義、超現實主義……直至今天的後現代藝術。其多元的形式令我們目不暇接驚愕不解。對於我們來說，由於生活的環境及歷史的原因，有可能不理解或不喜歡那樣的一種存在，但是沒有理由不去了解這種存在的原因。
藝術永遠是社會現實的反映。不可否認西方藝術的發展離不開那裡的政治、經濟、科技、文化與歷史，我們這個時代的藝術就是我們這個時代精神觀念的反映，有什麼樣的思想觀念就會產生什麼樣的藝術形式。所以，觀念的轉變是最重要的！
中國已進入了現代社會，雖然發展緩慢，人們的封建意識依然存有，但終究是回不到1840年以前了。改革開放的過程就是思想觀念轉變的過程，而藝術教育是該走在時代的前沿，因為藝術具有其前瞻性，我們的藝術教育怎能脫離這樣一個時代？素描教學的觀念作為藝術教育的基礎，怎樣與時代發展相適應？這是我們的教育者應該思考的問題。
一. 素描表現形式的多樣性是時代精神的體現
素描的多樣性是在現代社會趨於多元化的觀念下形成的。過去的古典藝術，一個時期或一個地域的風格樣式基本接近，越成熟的藝術越具有程式化的特點。如：古埃及、古印度以及中國的傳統藝術都有一套完整的技術程序和固定的風格樣式。其風格樣式的興衰變化大多是由政權的更迭、朝代的興衰決定的。
我們從藝術史的角度來看，古典藝術是在封建制度下形成的，藝術家是為皇帝或上帝服務的，那時的藝術家一定有宗教情感，幾代人為表達一種情感錘煉一種樣式，虔誠得並不認為自己所做就是藝術。而進入資本主義時代，文藝復興以來，人文主義精神得到廣泛傳播。人對客觀世界及對人自身的不斷認識，人，作為生命的主體得到了應有的尊重。藝術家發現了潛藏在生命里自由的慾望以及發現與創造的歡樂，造型藝術再也不僅僅是宗教的圖解和宮廷的裝飾了，要求藝術和科學並列，造型藝術和音樂、文學是同樣崇高的藝術形式。進入現代社會，藝術家要通過藝術表現自我，藝術的精神在於創造，而當「人人都是藝術家」的口號進入我們的生活時，當代西方藝術形式的豐富讓長期飽受封建意識壓抑的人們就不能完全理解了。
素描的多樣性是在人的認識不斷發現不斷創造的過程中形成的，可以說，是在尊重個體人的創造才使素描的多樣性成為可能。
我們的教學，是以培養健康的人為前提的。尊重每一個人，發現每一個人的創造潛能，是教育者的責任。其實「人人都是藝術家」就是尊重每個人的存在，我認為仍然是人本主義精神的體現。
由此看來，素描可以有多種表現形式，素描教學的內容應更寬泛些，素描不僅是技巧與方法的訓練，也應是思想與觀念培養。
二. 作為基礎教學素描既是思想也是方法
素描是思想方法，是一種思維方式。克利說：用一根線條去散步。就說明了這樣一個涵義。我們看到歷史上中外藝術家的素描傑作，無一不反映了大師的思想及獨特的看法。達芬奇、米開朗基羅、丟勒、魯本斯、倫勃朗直至印象派之前的古典藝術家，在創作之前大都要先畫素描草圖進行構思，即使現代藝術家塞尚、梵谷、馬蒂斯、畢加索也同樣是利用素描的方式在思考。因為素描是如此的簡便而直接。
從這一點上來說「素描是一切造型藝術的基礎」有一定的道理。只是這個「素描」是什麼「樣式」的素描有待商榷。
造型藝術的基礎是由藝術形式決定的，單一的素描方法不可能解決「一切造型藝術」的基礎問題。而且，不同的思想觀念產生不同的素描形式，達芬奇、米開朗基羅、塞尚、梵谷、馬蒂斯、畢加索、齊白石、徐悲鴻各有不同。
素描是要解決造型問題，但更重要的是解決觀念認識問題。如在一些新的媒體造型藝術中素描僅是一些輔助手段而已，並不一定需要有很強的素描「造型」能力。
各類造型藝術對素描的要求也是不一樣的。建築設計藝術與純繪畫藝術對素描訓練的要求就不同。建築設計需要理性的介入，尊重科學技術手段，側重人的心理與生理的社會性視覺需求及實用功能的合理性。在素描訓練上更注重理解與分析，對形體的比例、透視、空間尤其是對比例、對數的概念的理解似乎更重要。比如包浩斯的基礎課程設置：.約翰.伊頓與莫霍利的基礎教學就是一個重內在精神冥想，另一個則重實用技術的規范與秩序的代表。而純繪畫藝術比較注重個性化的直覺與感性的訓練，西方油畫與傳統的中國畫其對素描的要求也是不同的。西方油畫的素描注重對客觀形象的分析與表現，尤其是古典油畫除有理想審美標准之外，還要有透視、解剖知識的運用，視覺真實可信是首要的；對於傳統的中國畫，沒有素描這一名詞，按素描的廣泛意義來理解，齊白石的蟲、草、翎、毛畫稿就是素描，《芥子園畫傳》就是素描手冊。
由於藝術觀念的不同也決定了素描形式的不一樣。中國古代論畫有「得意忘形」「以形寫神」之說，東坡雲：「論畫與形似，見於兒童鄰」；而西方古典藝術家們為了「形似」卻發現了解剖與透視原理。具象寫實的畫家與抽象表現的畫家其素描的表現如此不同，都是因為觀念影響了他的表達方式。
素描是一種思維方式，音樂是一種思維方式，區別文學與哲學是因為她們不是用文字語言去思考，而是用獨特的語言方式——視覺的或聽覺的圖象和聲音去思考。
素描是視覺的，是看法，也是技術方法。有什麼看法就有什麼樣的技術方法，傳統的中國山水畫沒有焦點透視，中國畫家在畫一幅畫時不必站在固定的一點對景寫生，所謂「搜盡奇峰打腹稿」，採用的是散點透視「三遠法」；而西方的風景畫一定是固定的視點、固定的光線，即使不是對景寫生也要運用嚴格的焦點透視法則和具體的光線效果。最初西方藝術的透視法、光影法傳入我國是不被接受的，因為人們的習慣看法被改變了。
素描不僅是思想，還是一種技術。因為藝術的「術」字就不能迴避技術問題。中國畫講筆墨技巧，近千年的錘煉已形成了一整套獨特的表現技術：勾、勒、皴、擦、染、點……，在國門被打開之前，人們覺得畫就應該是這個樣子。而後的觀念變化是看到了世界的模樣，是「科學」影響了我們的看法。這時的我們想畫一張看上去「正確」的素描，還需要學習相應的解剖與透視知識以及光影變化的規律等技術手段。
素描教學技術訓練是基礎課教學的重要組成部分，只是這個技術訓練要有相應的思想觀念作指導。
藝術院校設置造型藝術基礎課由三部分組成。即：素描、色彩及工具材料的應用。這三部分既有分工也有聯系，是一個整體的三個方面不可或缺。素描訓練離不開工具材料及對色彩的感覺；同樣色彩訓練也離不開工具材料及對素描的認識；而工具材料就是一切藝術創造的物質基礎，這一點是應該明確的。選擇工具材料是觀念的問題，而熟悉工具材料就是個技術性問題。素描訓練在對「造形」的把握過程中，技術問題就擺到了前面。
任何一種形式觀念的素描都離不開可視的媒介載體——材料與圖形。材料是平面的或立體的，有色或無色的紙或其它質地的基底，圖形是鉛筆、粉筆或墨水的痕跡等等，這些材料組合本身就有技術含量。想畫得有立體感和空間感，相應的技術和知識是必備的。構圖、形體與空間、畫面整體感的控制，點、線、面、影調與黑、白、灰的處理，解剖知識、透視規律的運用等等。由於專業的不同所需技術手段亦有所側重，但在傳達對形體的感覺過程中具體的技術手段是豐富的，需要我們去感受去發現。不能否認，有時對技術的探求也會帶來觀念的變化。
即便如此，素描教學作為造型藝術的基礎部分，其訓練的一開始就應介入到藝術的本質，不應僅僅停留在技術訓練的層面上。將素描訓練看作是人的知覺訓練、情感訓練、社會人的精神表達式。我們知道沒有感覺就沒有藝術，豐富而敏銳的感覺才是藝術的生命所在。因此，作為造型藝術基礎的素描教學應以開啟發掘學生天性為己任，發現學生不同的視知覺感受能力及獨特的個性化的表達方式，同時輔以相應的造型技術語言以建立起公共勾通能力，這才是素描教學應起的作用。也只有如此才能充分體現出素描教學在基礎教學中的重要意義。
三. 在實踐中把握素描教學
1. 素描教學應解決的問題
首先說是該解決認識問題，其次是表現問題。但素描教學的具體問題是什麼呢？簡單的說是造型問題。復雜了說：素描教學應解決在色彩之外文字語言等其他媒介無法表達或表達無力時所需的視覺圖形語言。運用視覺圖形語言去思考、去表現視覺感受以及引導視覺感受是素描教學的核心問題。
（1）.培養學生獨立觀察思考的能力是基礎教學的出發點。在素描教學中培養學生深入觀察、獨立思考、有自己的判斷力是首位的；
（2）.研究人的普遍視覺需求。人的視覺包括生理的和心理的兩個方面，研究具體社會階層人群對圖形的感知能力是素描教學的重要課題；
（3）.在具體的素描作業中畫面的組織結構是第一位的，我們所說的造型離不開特定的畫面空間。畫面的組織結構與構圖經營位置有相通之處，不同的是「組織結構」更強調畫面圖式內在的有機聯系，強調視覺形式具有生命的整體構成；
（4）.形象感覺的表現與傳達。包括形象特徵、形體結構、質感與量感給每個人相同或不同的感受。這里既有視、知覺的訓練也有表現技巧的訓練；
（5）.工具材料的運用與發現，對材料工具的敏感是當代藝術家的重要特徵之一。素描的工具和材料是樸素的、相對簡單的，正因為簡單才留有發揮我們想像的空間；
（6）.了解歷史與傳統。對中外歷史與傳統的了解與掌握是學習素描的重要途徑之一古今中外的素描大師是我們學習的參考，站在巨人的肩膀上可以看得更遠。 2. 素描教學應有針對性
素描訓練是有針對性的。這是由教學的階段性不同、專業的性質不同、思想觀念的不
同決定的。
（1）. 針對學生年齡階段的教學，首先是了解學生的生理年齡及專業年齡特點，以避免重復教學使學生產生厭倦心理浪費有效時間；
（2）.針對學生個性素質的開發。每一個學生的個性是不同的，為將來的藝術實踐打下寬厚堅實的基礎，不是先入為主的風格樣式的訓練，而是在尊重每個學生的個性同時能加以科學的引導；
(3). 針對特定課題的訓練。不同的課題有不同的要求，將素描藝術的形式因素分解剝離開來，有針對性的分別訓練，以強化對視覺形式要素的感受力；
(4). 針對不同專業不同特點的感、知覺技能訓練。不同的專業有不同的要求，了解專業特點首先是教師的必備素質。要讓學生多了解不同的造型藝術特點，了解各種造型藝術語言的經典與素描的關系，以避免學習素描的盲目性。 3. 素描教學的技術訓練
前面談了作為基礎的素描教學一開始就應介入到藝術的本質——精神的表達。將素描作為人的精神表達方式，就需要涉及到技術性問題，所以「技術性」是素描教學不可迴避的問題。我們常說的藝術教學是教技術還是教藝術在教學實踐中是要有清醒的認識。
（1）看的方法。視覺藝術離不開「看」，「看」本身並不需要技術，用心去看就可以了。但是，人的知覺在成長的過程中，由於知識的緣故，「看」就發生了變化。能夠用「心」去看，也是需要一定方法的。看是人的知覺重要組成部分，人接受信息的80來自視覺，基礎教學就是要喚醒人的知覺。
有些人對「色」敏感，有些人對「形」敏感，有些人喜歡粗線條的大關系，不拘小節；而有些人則喜歡細節的羅列，不厭其繁。「整體的看」與「比較的看」，在教學中如何引導既是觀念的問題也是個技術性問題。
（2）工具材料的運用。一方面要多嘗試運用各類干、濕性材料，以便從中選取自己喜歡的、方便的、耐用的、持久的工具和材料，為能充分表達自己做好物質的准備。教員就似個大師傅將各種菜譜擺出來，學生可以自由挑選，當然大師傅還應該是個營養師。
（3）理論知識的運用。是理論與實踐相結合，素描教學就是最初的結合點。透視學、解剖學、人體工程學、視覺心理學等都是造型藝術的基礎理論知識。這些知識在素描教學上的運用體現了極復雜的技術性，應分階段、分層次、分專業開設實踐應用課程，有重點的進行實際操作與演練。
4. 素描教學的實驗性
現代藝術的重要特徵之一就是其實驗性。在教學中探討素描表現的可能性是貫徹教學
實驗精神的具體方法與途徑：一方面是材料應用的可能性；另一方面是視覺心理接受的可能性，從這兩方面入手可以大大拓展我們的視覺空間。素描作為基礎教學是有其相對穩定性的，但是，作為藝術教學，創造意識的培養是教學主要目的。沒有實驗精神就不會有所突破，墨守成規的技術訓練談何創造？
開放的社會需要開放的藝術，開放的藝術需要開放的思想。實驗性是向未知挑戰，是面向未來。在素描教學中我們應該體會的是思想、是創造精神。
㈩ 如何對幼兒美術興趣培養的研究步驟
繪畫是美育的重要組成部分，也是幼兒園教育的一項重要內容，幼兒從小就喜歡亂塗亂畫，把亂塗亂畫作為一種自由的游戲活動。自己想怎麼畫就怎麼畫，無拘無束。美術活動恰恰符合幼兒的天性它不僅培養了幼兒的審美能力，欣賞能力，培養了幼兒表現美的能力，也反映了幼兒的本質，通過美術活動能生動形象的表現客觀事物，促進幼兒思維、情感等方面的發展，而在繪畫活動中興趣至關重要，實踐證明「興趣是最好的老師」，只有讓孩子親身經歷，在體驗中感到美術活動給他們帶來的無窮樂趣，才能讓孩子對美術活動感興趣，幼兒有了興趣，才有作畫的願望，才能更迅速地提高繪畫技能，但如何將幼兒潛在的繪畫興趣挖掘，這需要我們老師不斷研究和發現，作為幼兒教師，應如何培養幼兒對繪畫的興趣？
一、 創設具有美術氣氛的活動空間，激發幼兒繪畫的興趣
提高幼兒對美的感受力，是激發幼兒繪畫興趣的前提。幼兒對新事物的興趣往往是基於非常直接的視覺形象，因此，創設一些讓孩子身臨其境的環境使孩子在活動中更為投入，教師首先的環境的創設者，不僅要為幼兒准備必要的材料，更要營造畫畫的氣氛、環境和氣氛，讓幼兒興致勃勃地開始畫畫。特別是牆飾的裝飾及各個區域的布置都應注意構思的形象變化，畫面內容生動，色彩鮮艷協調，具有童趣。如《小鯉魚歷險記》動畫片中的場景讓孩子感覺就在動畫片中，具有真實感增強了整個活動的趣味性。活動區中的美術角，應作為幼兒寫寫畫畫的平台，當幼兒拿筆到處亂畫時，簡單的制止不如給他們准備好顏料，紙和筆，任他們盡興塗抹。有了這種氣氛，幼兒隨時地觀察美、欣賞美，可以進一步提高幼兒對繪畫的興趣。
二 運用多樣化教學手法，調動幼兒對繪畫的興趣
（一） 從玩和畫的結合中培養幼兒的繪畫興趣
古希臘的柏拉圖說：「若把強制與嚴格訓練成為少年做孜孜求學的方式改為引導興趣為主，他們勢必動力噴涌，欲罷不能。」愛玩是孩子的天性，常常提出「玩」，時時念著「玩」，我們應充分利用這一特點，讓孩子在娛樂、玩耍中學習美術知識的技能。教育內容、方法應該多樣化，應該在看看、想想、畫畫、做做、玩玩的過程中，運用一些趣味的游戲。如畫「花瓶」，老師拿著一個藏有花瓶的口袋，讓孩子閉著眼睛去摸，感覺它形狀及結構，然後由孩子們根據想像去設計這個花瓶來分析花瓶的結構原理，講評設計方案，這節繪畫課就輕松的上完了。讓幼兒在玩中畫，畫中玩，在玩畫中找到樂趣，大大提高幼兒的興趣，激發幼兒的創作慾望。這些由目的，由任務又帶了游戲性的繪畫活動，幼兒極感興趣，教學效果也很好。讓幼兒在玩耍中不知不覺，很自然地接受繪畫技能。
（二） 注重豐富孩子的生活經驗，調動幼兒繪畫的積極性
新鮮的生活經驗能激發兒童的創作慾望。有些孩子愛畫相同的形象，始終沒有變化，時間長了容易形成一定的概念或模式，這樣會影響繪畫水平的提高，對於這樣的孩子，首先應豐富他們的生活經驗，這是幫助孩子孩子在藝術天地里成長的重要方式，應該多帶孩子爬山、游泳甚至生活中的吃飯，刷牙等點點滴滴，都可以說是豐富孩子作畫感的源泉，孩子要透過親身的經驗，才能畫出生動充滿情感的作品，他們不僅開闊了眼界，增長了知識，還可以培養他們善於觀察和發現生活中的美的習慣，陶冶美的情操。
（三） 選擇豐富有趣的內容，引起幼兒對繪畫的興趣
興趣與好奇是興趣的先導，沒有好奇的心理就不會產生興趣。因此，就要在選材上下功夫，要根據幼兒的年齡特點、興趣愛好、繪畫特點來選擇幼兒生活中熟悉的感興趣的，具有較強吸引力的題材。如幼兒喜歡的卡通人物，玩具等，可通過看光碟，講述故事的形式，引起幼兒的興趣，把繪畫的內容串成故事情節，並跟隨故事情節展開作畫，這樣可以提高幼兒作畫的興趣。這些題材幼兒既感興趣又樂於接受。
愛玩泥，撕紙是孩子的天性，也可用手工與繪畫相結合的形式，它不像單純繪畫活動那樣追求作品效果，而注重動手操作的樂趣，自然為幼兒所喜歡幼兒在捏泥、撕或折、粘貼的活動中獲得的對物體的感知，又有助於他們繪畫時表現此物體。如：用棉簽畫「串兒紅」前，先進行撕紙，有序粘貼活動。幼兒通過粘貼，對花形有了感知再進行繪畫也就很容易了。
三、 利用生動的語言，調動幼兒對繪畫的興趣
一般來說，幼兒對畫畫都有興趣，但不會持久，因此在教學活動中要通過各種方式不斷地激發、培養幼兒對美術活動的興趣。首先，教師要用生動的語言激發幼兒對美術活動的興趣，生動的語言巧妙的運用在美術教學中可以起到舉足輕重的作用。富有童趣的語言，易於讓幼兒產生輕松、愉快的游戲心理，使他們樂於參與，更能使之成為發展幼兒思維的有效手段。如帶幼兒到戶外活動時，引導幼兒和大樹、小花講話「大樹，大樹，你真高，我給你畫張畫像吧！」這些充滿情趣的語言，在無形之中就會使幼兒產生作畫的興趣，才能使美術活動變得輕松愉快，達到事半功倍的效果。
四、 不斷改變繪畫地點、幼兒作畫位置及幼兒繪畫材料，提高幼兒繪畫興趣
經常作畫方式單一的繪畫方式，幼兒會感到厭倦。因此應注意不斷改變畫畫的地點和幼兒作畫的位置，來提高幼兒繪畫的興趣，如：戶外作畫。在室內作畫時將桌子合並，大家圍成一個圈，有時站著，蹲著畫等。無論採用什麼樣的方法，只要抓住幼兒繪畫特點，調動幼兒情趣，他們都能認真作畫，課堂紀律也鬆弛，活而不亂，同樣收到好的效果。此外，幼兒十分喜歡集體作畫。同在一張大紙上，一目瞭然看到自己和小朋友的合作成果，心裡會非常喜悅。在繪畫過程中，他們興趣很高，分別在紙上尋找自己的位置。這樣不僅提高了幼兒的繪畫興趣，也增強了集體意識。
求異、好奇是幼兒的又一重要的心理特點，一成不變的繪畫材料，會使孩子們感到索然無趣。油畫棒、水彩筆，繪畫形式單一，幼兒缺乏對多種繪畫工具交替組合運用的能力畫面單調。因此，運用多種繪畫工具，如：油水分離畫、拓印畫、粉印版畫、實物版畫、刮畫、水墨畫等，這些作畫形式幼兒易學，色彩鮮艷，效果好，能使幼兒體驗到成功的喜悅。在設計美術活動時，採用富有情趣的表現形式，不僅使畫面豐富多彩，而且幼兒也容易對繪畫產生興趣。
五、 讓幼兒自由想像，大膽創作，提高幼兒對繪畫的興趣
美術活動對幼兒來說是一種游戲，是藉助筆表現自己的一種活動方式也是表現他們認識客觀事物的態度的特殊形式。在美術活動中，需要幼兒的想像和創造，要激發幼兒畫畫活動中的主動創作能力。以往的繪畫課只注重教學效果，幼兒繪畫多以命題畫為主，教師怎麼教，幼兒就怎麼畫，依葫蘆畫瓢畫出與教師示範的內容、形式和色彩相同的畫。這樣做勢必會壓抑幼兒的創造性，長期以來，不僅使幼兒失去繪畫興趣，更可能會扼殺幼兒剛剛表現出來的藝術天賦。因此，教師在命題畫活動中，要認真觀察、了解幼兒的興趣，若發現有幼兒感興趣的內容，就引導他們根據自己的興趣去大膽創作，如：畫「我的小手」，讓幼兒在畫自己的小手的基礎上，大膽地想像、創作，在手的造型上添成小兔，大樹等。也可以在教學中提出一些線索作為孩子思考的起點，使其展開想像，大膽創作，從而更好的發揮幼兒的繪畫積極性。
六、 多鼓勵少批評，培養幼兒繪畫自信心
幼兒需要鼓勵與贊賞。他們做出一幅畫時，老師適時說一句贊賞的話可以成為幼兒進一步學習的動力，及時給與適當的鼓勵，可以培養和增強他們的興趣，建立和鞏固他們的自信心。在輔導幼兒作畫時，應該盡量說些肯定和鼓勵的話語，如「很好，顏色真美。」或是「如果。。。。。。將會更好。」幫助幼兒樹立對繪畫的興趣和自信心，要盡量可能避免指責的話語，如「難看死了，你真笨！」這樣容易挫傷幼兒的自尊心和積極性，使幼兒對美術活動失去興趣。
七、 賞識---評價幼兒的作品，激發幼兒對繪畫的興趣
每一個人都希望自己努力的成果得到別人的認同。幼兒也不例外。我們不能只拿「像與不像」、「行與不行」作為評價一幅幼兒作品的標准。幼兒有著豐富的想像力、創造力，教師要充分認識和利用。要理解童心，從幼兒的角度去欣賞，不追求完美，應注意發現畫面上的每一根線條、圖形、色彩能傳達的幼兒的思想和情感，贊賞幼兒的點點滴滴的創造，並提供機會讓幼兒進行分享、交流，使他們有更多溝通。如展覽幼兒作品互相欣賞，互相評價，同時提高了評價能力。每個幼兒有自己獨特的個性，他們的畫也就有與眾不同的特點，有的作品只有他自己看得懂、說得清，因此教師在評價幼兒美術作品時要尊重幼兒、善於發現幼兒作品中的精華所在，表現出接納、贊許的態度，只有這樣才可能和幼兒溝通，而在得到老師的肯定後幼兒的自信心就會增強，興趣也會隨之增加。
在精神文明高度發展的現代，繪畫已被承認是培養開拓人才的理想手段。由此可見，培養幼兒的繪畫興趣是不容忽視的。如果注重在幼兒時期培養幼兒濃厚的學習興趣，那麼將使幼兒終身受益。