流行歌曲音调识别方法研究与实现

❶ 怎么识别音调

识别啊..... = =.... 这很复杂.... 你起码得有一定乐理常识....
你可以下一个视唱练耳的软件... 不过首先你得先知道这是什么调的....
其实这个很简单... 就是音乐的感觉... 音阶的感觉... 这样你听多了反正就好找了.. 而且... 唉... 怎么说呢... 反正主要是靠感觉...
比如两个音之间的音程.... 之间的跨度...
主要还是多听吧... 找到了一个音.. 再找另一个音... 其实超简单... 不就是译谱么... = =... 你要是学过乐器就不觉得难了....

❷ 流行歌曲歌唱技巧

气息技巧：

将身体与精神放松一些，气息调整均匀，空气不要吸入过满，不要太刻意注意姿势及口、鼻吸气的动作，因为身体状况处于常态时，外界气压大于身体内压力，在完成正确的吸气息动作后，肺部即形成负压，空气自然进入肺部，这样在演唱时吸气迅速，在话筒前无任何杂音。

技巧：

1、两肩摆在自己最自然的状态

2、胸腔打开

3、两肋及后腰自然

4、小腹及臀部注意协调性

5、“横隔膜”（处于腰部“水平线”的平滑肌）注意收放的节奏

6、发音时要平稳、轻柔

练习方法：

上述状态准备好后，以四拍为一小节，心里数“一二三四”在数四的同时，将空气瞬间吸入（空气吸入不能过满），在下一小节的第一拍发“s”音（国际音标的“轻辅音”，声带不振动），在发音的过程中，身体灵活自如、意识积极，肌肉不僵硬，富有弹性、神经不紧张，不松懈。

发音时：呼吸的相关肌体组织上、下挤压肺部，当挤压到极限时，左右前后继续全方位向内挤压肺部。向上的气流要细而稳、集中而有力。练习曲的每个乐句，气息和声音都不能间断，时间保持越长越好。肺部的空气始终保持在肺的下二分之一处。

声带技巧：

发“s”的状态不变，舌尖稍向后移，声带立即振动，发出一个近似国际音标/s̤/或/z/（介于“滋zi”/t͡sɨ/与“日ri”/ʐɨ/之间的音），发音时，注意力集中在声带上，练习曲的每个音都不能脱离“声带”，并要配合已练习过的气息方法。

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“通俗唱法”也原本叫“流行歌曲唱法”（但由于随着流行音乐及流行唱法的发展，现已与其产生较大差别，遂区别区分）。由于中外语言的特点各有不同，差异是存在的，但是也有不少共同之处。

在西方直到1900年，古曲的“美声”和“通俗的”的歌唱方法，并没有根本上的区别，虽然演唱歌剧要比演唱轻歌剧和流行歌曲需要更为丰满的声音和更高的歌唱技巧。

❸ 音乐软件的听歌识曲是如何实现的

可以通过判断短时能量及短时过零率去噪、频率-时间曲线平滑化去噪，以及基于统计的节拍修正、音调校准等方法进行修正。到了这时，仍然几乎不可能得到完全准确的音调序列。

❹ 怎么分辨每个歌曲的音调

你的意思是听歌写谱是吗？就是听曲子，就能写出这曲子的歌谱，首先你要练习看谱练唱，先把每个音阶都唱熟，一边唱一边听，这个时候能锻炼你对音阶的听力，这个阶段是很枯燥的，最好能够结合乐器来锻炼，只要这个阶段掌握好了，分辨音阶就不成问题了，其实我觉得有音乐基础的人才比较容易掌握，希望对您有所帮助！

❺ 如何一下子听出一首流行歌曲音调，比如是A调还是B调

A调是以A为主音。也相当于在A调中A就唱do。你说的那个C调是do，是固定调唱法。也就是不管什么调都唱1234567。

但是首调就不一样了。那个音都可以当做do。什么调式的什么音就是1，顺着向下推。就是因为有了首调，所以才有调式的升降记号。都是对照C调移的。

如C调中，1到2是全音。2到3是全音，3到4是半音，4到5是全音，5到6是全音，6到7是全音，7到1是半音。就可以读作全全半全全全。其他的调都是这样的关系。它是通过升降记号来完成的。

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调的命名建立在主音的基础上，如由7个自然音级从C开始按顺序排列的是就C调，将C调移高一个纯五度就是以G为主音的G调。将C调移低一个纯五度就是以F为主音的F调。

不同的调一般用乐谱开头谱号后标明的调号来区别，不同的调运用到音乐作品中的 具体形式就是各种调式。

一般来讲，任何一个调都包括了一个同名的大调以及这个大调的平行小调。

除此之外一个调中还能包括其他一些不常用的调式。比如中世纪欧洲的中古调式，以及其他各国的民族调式，如中国的传统五声调式。

❻ 如何听一首歌知道是什么调的

周杰伦的菊花台是C调（1=C），字母是调式，C就表示C调。

视唱练耳是学音乐的必学的课程，一般通过钢琴教学，教师在键盘上弹奏音符，学生跟着唱音，先是简单的音阶顺序单音，后是不按顺序的C大调单音，逐渐扩大音域，再加大难度听升降音，然后八度、双音、和弦、片段……

乐感好的人经过反复的听音唱音练习，特别是偏爱作曲的，会在日积月累中形成绝对音准，即只靠听力就能百分之百准确听出旋律中的音符，包括和弦，转调。

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音调定义

声音的高低叫做音调，频率决定音调。物体振动的快，发出声音的音调就高。振动的慢，发出声音的音调就低。

音调解析

音调的高低还与发声体的结构有关，因为发声体的结构影响了声音的频率。

大体上，2000赫兹以下的低频纯音的音调随响度的增加而下降，3000 赫兹以上高频纯音的音调随响度的增加而上升。

对音调可以进行定量的判断。音调的单位称为美（mel）：取频率1000赫兹、声压级为40 分贝的纯音的音调作标准，称为1000 美，另一些纯音，听起来调子高一倍的称为2000 美，调子低一倍的称为500 美。

依此类推，可建立起整个可听频率内的音调标度。这样得到的声压级40 分贝的纯音音调与频率的关系见下表：

音调高：轻，短，细

音调低：重，长，粗

参考资料：网络——音调

❼ 流行音乐中的A,B,C,D,E,F,G调都是怎么来的升A降A等又是怎么来的他们对演奏的影响都是

根据钢琴按键的音调来设定的。从低音到高音的顺序是C D E F G A B ，升A降A同理。演奏的影响不仅涉及到音调的高低，如同一首旋律男女声由于生理原因，导致音调区域不同，要用不同的音调来演奏。有的是歌曲本身要求某个音调以表现出独特的效果。高昂的歌曲比如《我相信》如果用低音演奏，效果就大打折扣了。

❽ 有关于音调识别的问题

一般都以校准后的钢琴为准（我的理解）
调式是按照一定关系（高低关系、稳定与不稳定关系等）组织起来的一组音（一般在七个音之内），并以某一个音为中心音（即主音）联结成一个体系，这个体系就叫调式。

大调音阶由七个基本音级组成。根据大调构成法则，第三、四级（mi和fa）之间、第七八级（si和do）之音的距离都是半音（即小二度）。而其他相邻两级之间的距离都是全音（即大二度）的音阶称为大调音阶。 如C大调（自然大调）的七个基本音级为C、D、E、F、G、A、B；G大调的七个基本音级为G、A、B、C、D、E、#F，等等。

小调也是由一种七个音构成的调式，根据各音级相邻音的音高关系不同又可分为自然小调、和声小调和旋律小调，小调的特征表现在主音上方的小三度，它最能说明小调的色彩和性格。如a自然小调的七个音级为a、b、c、d、e、f、g；a和声小调为 a、b、c、d、e、f、#g等等,如非指明，我们一般称自然小调为“小调”。

调式的色彩不同，表现为不同的表情特征，而这种表情特征也是相对的，并不固定为某种调式只适于表现某种思想情绪，但一般来说，大调色彩明亮，小调则较为柔和暗淡。

区分大小调，要看该曲的主音是什么音，一般主要从乐曲的终止音上就可以看得出来，大调一般终止于主音1（do）上，小调则一般终止于主音6(la)上。

如此泛泛而谈地讲调式的概念，可能还是不太好理解，不过你也许由此能够得到有关调式方面的一些初步印象或基本知识，要想进一步理解掌握好调式的概念及运用，需要有一定的乐理基础和积累更多的音乐素材，尤其从音乐素材中去寻找共性的东西进行具体的分析与比较，不失为理解调式概念的一条有效途径。

❾ 音乐课题研究。求助

中西音乐之渊源各异，除了因民族性所产生的色彩差异之外，主要表现于中国音乐注重的是情韵，而西洋音乐注重的是和谐。

溯本求源，西洋的和谐源于古希腊、古罗马的数学与几何学的科学性及数理协调性；而中国的情韵则可说是源于先秦诸子的哲学，甚或是源于古代钟鼎的花纹及原始壁画的动物飞腾之象。因为，“飞舞跃动”之美始终是中国诸艺术的主要特色，当代美学界巨擘宗白华也认为：“舞”是中国艺术意境的灵魂。

归根结底，中西方的宇宙观、世界观的不同，是中西音乐风格形成各异的根本原因。

西洋人看世界，是采取科学的、数理性的态度，是“物我对立的”。而中国人则全然相左，如老、庄，认为宇宙是个虚灵的空间，其间只有鼓动“万物”的“气”才是实在的。因此，中国人的宇宙空间意识是人在“虚、空”中，是宇宙的造化：人自在虚空中，“伏仰自得”，尔我不分，浑化为一。

中国历史沿袭下来两种美学观点，即“错采镂金”之美与“初发芙蓉”之美。汉以前，艺术美还是“错采镂金”之美；时至魏晋发生了一个变革，提出“初发芙蓉”与“错采镂金”并列。至宋，美学观点转移为“初发芙蓉”较之“错采镂金”更为美。这也是对中国古代哲学的一个发展——既然一个“虚灵的空间”充满了“鼓动万物之生气”，又何必再“错采镂金”呢？还“宇宙”的本来面目吧。所以艺术不再是装饰性的了，而加入了进步的思想色彩了。也因此，建立在以重情韵为基础的中国单音音乐体系得到了进一步的发展（尽管在唐时有向复音音乐发展的萌芽）。

“和谐”的概念，中西方也不尽相同。如纯指对感观的刺激来说，中国人认为单音是最和谐的（指乐音），八度叠置其次，然后是四、五度叠置。这从中国传统民间乐器上也能看到：胡琴的定弦一般是四、五度，特别值得一提的是笙，它的传统发声指法决定了一个“主音”和一、两个“辅音”同时发声，从而形成一个四、五度叠置的和弦。对于和弦西洋人则认为，三度叠置才是最和谐的，至少是半和谐的，而四、五度叠置的和弦反而是不和谐的！其实，和谐应该是相对的。我想，三度叠置的效果并不旨在追求其和谐，而是旨在追求其丰满。

如果说，“形式”美是艺术中很重要的一环，对于中国则不然了。固然，也需要和谐，也需要科学，但一切都要服从于“韵味”，服从于“情”。对西洋音乐来讲，“形式”美才是主要的一环。“摹仿自然”与“形式美”本是西方美学思想的两大中心。

西方音乐从浪漫主义晚期起，写作技法日趋繁富。其对传统的叛逆大致从理查.斯特劳斯开始，经过德彪西的“质的飞跃”，勋伯格的“异化”，一直到斯特拉文斯基、梅西安、斯托克豪森，技法愈来愈精细，其装饰性因素之多，正可说是前述之“错采镂金”。而中国人更习惯于音乐的韵味，“情”和“韵”始终贯穿于中国音乐的指导思想之中。因此，一切技法（包括写作、演唱、演奏等）都围绕着“情、韵”二字。
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音乐，从广义上来说，应该是文化的外延,是文化孕育出来的精华的一种结晶形式。 因此，中西方音乐的差异主要体现在文化的差异上，文化的差异造成了审美的差异，音乐创作的差异，音乐理念的差异，乐器发展的差异等等。

首先，审美的差异：

正如《中国音乐审美导论》中提到：“在审美追求上，中国音乐艺术以‘和’为理想，尚虚无，求空灵，讲韵味，求深邃，讲意境，求气韵生动，强调直觉与领悟，注重生命本体。这与西方音乐求深刻，强调理性与思想，把实有，意义与情感作为精神支柱的音乐审美特点形成鲜明的对比。”在我看来，当今的音乐美学史，实际上是一部中国音乐美学思想与西方音乐美学思想互相斗争、交融、互补的历史。

中国传统音乐主要表达儒家的和谐，礼仪之美；道家的自然，天人合一；佛家的空灵，悟性，禅意等，相对比较主观。这和中国的绘画，书法追求神韵，重意境的审美情趣是相通的。 所以多讲求和谐、 幽美、深沉，旷达等。是人的内心世界在一定的自然环境下的自然流露， 突出“情”和“景”的交融。
西方古典音乐在西方戏剧的发展背景下，着重美学及功能性，故此比较客观。西方古典音乐以深刻严肃见长，突出主客对立，大都带有正剧或悲剧色彩，体现出来的是一种艺术精神的“壮美”。所以多音域宽广，曲调刚健、情绪激昂、气魄宏大。

其次，音乐创作和音乐理念的差异 ：
中国传统音乐，没有一套完备的作曲理论与法则，较易失传。 而西方古典音乐技术层面上有理论，有规范，有大量的文字和音响文献，易于流传。
中国传统音乐以线条为主，而西方古典音乐更讲究和声。就如中国的绘画和书法讲究的是线条的艺术；西方的绘画讲究的是面，立体，光影的艺术。
中国传统音乐注重气息，神韵，而西方古典音乐更讲究节奏，气势。就如中国的绘画注重写意，似与不似之间；西方的绘画注重写实，表现盛大的场面。

再次，乐器发展的差异：
上面提到，中国的音乐多是单音，旋律的，所以中国的乐器结构简单，多是不能演奏和声的。如笛，二胡等，但越是简单的乐器越是能表现悠远的意境（中国的水墨也简单得只有墨的黑色，却能幻化出形态万千）比如埙，简单的原始土陶乐器，却能吹出千古幽思。中国民族乐器比如说琵琶、扬琴、箫、笙，唢呐多以“丝”“竹”为材，故称丝竹之乐，具有柔，细，清的音乐特征。

西方乐器比方说圆号，小号，萨克斯等多以金属为材。西方古典音乐是和声的，多声部的，所以乐器多很复杂，机构精细繁复，多能演奏和声，如钢琴，吉他等。故音色丰富，音域宽广，表现力强。

总之，由于社会文化背景的不同，带来音乐创作手法及审美观的差异：在保持原有风格的基础上相互借鉴、相互促进将是二者今后发展繁荣的必经之路！

中西方音乐由于历史、文化等原因,存在着一定的区别,其主要表现在中国音乐着重于情韵,而两洋音乐注重的则是音乐本身的和谐性;中国音乐发展自然过渡,一脉相承,西方音乐发展则呈块状结构和阶段性特征;中国音乐体现为单纯的模线性织体思维,以线条为主,而西方音乐则倾向于横交叉的立体状织体思维,更讲究和声;中国音乐语言偏重心理,略于形式,极富变量,为开放性结构,而西方音乐形式严谨,结构具有封闭性特征;中国音乐尚善尚美,追求虚静空灵的意境,注重感觉,而西方音乐却讲究理性与情感的统一,追求力度与强度,乐思明晰而实在.