❶ 钢琴演奏中，有哪些用力的方法来改变钢琴音色的方法
音色是钢琴描绘意境、渲染情绪、揭示韵味塑造形象的重要途径；也是弹奏者理解表达能力优劣、色彩感觉浓淡、艺术造诣深浅的显着标志。钢琴演奏中的触键与音乐是紧密相连的。不同的触键部位以及方向会产生不同的音色，用指尖、指面、不同的角度来与琴键接触，可以发出千变万化的音色来。本文从触键的各个方面来说明与音色的关系，使之在今后的钢琴演奏中能够更好的对音乐进行诠释和理解。
每台钢琴在出厂后就已经确定了它该有的音色，是柔和圆润、还是明亮清澈都是之后很难改变的，但是由于钢琴音域之广阔，演奏者可以使用不同的技巧使钢琴弹奏曲目时，增添不一样的情绪。决定钢琴音色的要素有五个：1 触键方向；2 触键高度；3触键力量；4 触键速度；5 触键深度。
1.不同的触键部位以及不同的触键方向会产生不同的音色
①用手指指尖的部位，在手指二关节以下与键盘基本成直角状的触键，指尖保持明确的触感。这种垂直击键，触感灵敏，琴键起落迅速，其音色清脆，纯净透明。用以表现晶莹剔透的音色，均匀清晰的音粒，生动活跃的节奏，流畅悠扬的气息。
②用手指指面多肉的部位，自第二关节以下与键盘基本成锐角的触键。可以使声音十分柔和细腻，没有明显的“音头”。
2.钢琴演奏的三种基本弹奏法对音色的影响
（1）非连奏，即：“颗粒性弹奏法”。触键时，要求下键、起键速度要快，触键的瞬间具有一定的爆发力，使手指的挥动有较快的速度。再加上牢固的指尖，就会发出结实，明亮集中而富有颗粒性的声音。
（2）连奏，即钢琴演奏中的歌唱性奏法。主要用于抒情性的歌唱旋律、圆滑连贯的音型，流畅的旋律性经过句，琶音和分解和弦等。缓慢的触键是创造柔和歌唱性演奏声音的关键因素。这种以水平方向的用力方式，可以使琴键以一种缓冲的方式受力，从而使发出的音色柔和连贯，圆润歌唱。
（3）跳音奏法，一方面不同的时值的跳音，根据音乐特性的需要而具有不同的音响特质；另一方面，手的不同动作部位演奏的跳音也会产生不同的声音效果。在王建中的《猜调》中有大量的单音旋律需要跳音奏法。作品要求声音短促集中，轻快透明，力度较弱但速度较快。在手指积极主动地弹奏跳音时手腕与手指的配合协调，与之融为一体，使声音灵巧集中，富有弹性。
❷ 演奏教学的原则
一、钢琴演奏中情感因素的重要性
在钢琴演奏过程中如果只是单纯地依靠弹奏技巧是不行的，还需要在演奏过程中配合钢琴弹奏表达主观情绪和主观情感，因此，需要加强钢琴演奏的情感因素研究。演奏人员先要充分理解乐谱，分析乐谱背后隐藏的主观情感，并结合娴熟的钢琴演奏技巧提升演奏效果。钢琴演奏的情感因素不管是在传统钢琴演奏还是在现代钢琴演奏中，都起到了非常重要的作用，能够帮助培养演奏人员的道德、智慧，提升美育教育质量。
（一）提升演奏者艺术技巧艺术教学能够提升人的艺术技能水平，同时也能够提升钢琴演奏水平。艺术教育主要是针对演奏人员进行的，帮助演奏人员深度挖掘自己的艺术潜能，通过熟练掌握钢琴的演奏基础知识，提升钢琴演奏的专业水平。通过更加系统的美育教育和钢琴教学训练，演奏人员能够了解不同的艺术发展历史，从而掌握基本的钢琴演奏方法，在演奏过程中学会鉴赏音乐作品，并把鉴赏能力应用到以后的钢琴演奏过程中。演奏人员需要通过艺术技巧的学习，学会把握音乐作品中的情境，结合演奏技巧来传递给观众。作品包含的人文精神对于演奏的效果影响很大，因此可以适当性地选择一些具有教育意义的优秀音乐作品让演奏人员进行弹奏，提升演奏人员的欣赏能力。
（二）引导人们形成完善的人格在钢琴弹奏过程中融入情感因素，能够提升钢琴演奏的艺术水平，是艺术教育和钢琴演奏教育相结合的好方法。在钢琴演奏中要加强与政治文化的联系性，通过结合知识系统钢琴演奏中要加强与政治文化的联系性，通过结合知识糸统心的意识和思想，在个性逐渐发展成熟的过程中，也包含有艺术教育的集中性。因此，在钢琴演奏中加强情感因素技巧掌握，对于人的个性发展有一定的引导性，能够帮助促进人格的完善和发展。
（三）钢琴演奏能够帮助培养人的情绪。通过针对艺术教育的分析，能够引导学生在艺术中发现生命的美妙，引导演奏者的情感发展。艺术教育课程能够影响人的情感和态度的发展，从而陶冶人的情操。在钢琴演奏过程中把情感因素和弹奏技巧相结合，能够提升钢琴演奏人员的创新思维，促进钢琴演奏者的长远发展。创新意识需要通过一定的训练和培养才得以实现的。例如，在钢琴弹奏过程中具备敏感的创新思维和细致的观察能力，都需要针对性进行有目的的训练。在整个钢琴弹奏创新意识培养过程中，需要演奏人员对自身的专业保持高度的热爱，才能够以更加积极的态度面对钢琴演奏，顺利地培养创新意识。
二、触键技巧对于音色的影响
在钢琴演奏中，触键力度的大小对于表现出的音色也有较大的影响。当使用指力触键的时候，指尖所传递出来的力量会影响到表现出来的音色。通常在指尖触键力度一般，速度正常的情况下，可以发出清脆细小的音色。而手力触键是借助手腕的力量，会导致较大力度的触键，并且速度也更快，会呈现出清亮的音色。
触键角度的影响演奏期间，若手指与琴键接触角度较大，也就意味耆接触面积小，产生的压强大，其能够演奏出强穿透力的音色效果;反之若角度小，也就说明产生的压强较小，会呈现出柔和的音色。垂直触键指的是钢琴琴键与手指指尖为垂直接触，使用此类触键方式常常可以演奏出明亮的音色。演奏者指尖的速度也会对音色造成一定的影响，若是音乐曲目需要采用垂直触键的方式进行演奏，那么当触键速度较慢的时候，演奏出的音色是较为柔和、精致的，而若触键速度较快，那么通常是比较集中、明亮的音色。除了垂直触键外，还存在与琴键形成一定锐角的水平触键方式，锐角的角度是可以变化来控制音色效果的。因此，演奏者需要结合演奏曲目的需求选择最佳的手指与琴键之间的锐角，若是演奏的曲目较为晦暗、朦胧，那通常需要将角度控制在50。以下;若演奏的曲目情感丰富，具有浪漫气息，那通常演奏者会将手指与琴键的角度控制在50-'700 在钢琴演奏期间，通过巧妙地运用触键技巧进行音乐作品的弹奏，将曲子的情感淋漓尽致地表达出来。想要获作品的弹奏，将曲子的情感淋漓尽致地表达出来。想要获键技巧，只有灵活地运用不同的技巧，才能够使音色呈现出最佳的效果。
三、钢琴教学中学生乐感培养的途径分析
（一）加强培养学生的识谱能力读谱是钢琴学习的基础与前提，教师在教学时要教授与识谱相关的音乐知识。乐谱中有各类记号与指法，教师要引导学生重视谱面内容，学会相关乐理知识。例如，学习连奏，教师可先将重难点强调一遍并标在谱子上，然后让学生根据所学进行读谱练习，教师根据练习时产生的问题进行总结并解答。让学生通过提升识谱能力培养乐感。
（二）唱谱提高学生律感唱谱可以让学生理解歌曲的音乐线条及律感。在教学过程中，教师可以让学生手口并用，在弹唱中找韵律，找乐感。但由于学生在歌唱方面的力度节奏等无法精准掌控，教师要及时纠正指导，帮助学生提高乐感。
（三）加强对学生想象力的培养钢琴教学是一门有较强艺术性与灵性的课程，想象力在钢琴教学中发挥着必不可少的作用，它不仅可以激发学生兴趣、培养学生情感，还能够培养学生对音乐的悟性及感觉。教师在教学过程中要提供良好的让学生熏陶的环境。例如，学习双音弹奏，为了形成一定的画面感，让学生有想象空间，教师可利用多媒体播放音视频，同时引导学生联想画面，让学生根据自己的联想弹奏曲目，从而增强学生乐感。
四、教师将实践教育应用到钢琴教学的途径
（一）以实践教育拓展钢琴教学的维度采用传统的教学方法为学生讲解钢琴知识，不利于学生艺术素养的培养，也不能拓展艺术教学的维度。传统钢琴教学主要向学生讲解理论知识，不能指导学生在钢琴演奏中获得更多的艺术能力，制约钢琴教学体现的教育效果。为此，钢琴教师需让学生在实践中感受钢琴艺术，促使他们得到作品演绎能力的培养。教师在进行钢琴教学促便他们得皇O作品演绎能力的培养。教师在进行钢琴教学探索创新性的钢琴教学，促使学生实现钢琴演奏以及艺术表达多项能力的培养。教师需以实践教育拓展钢琴教学的维度，引导学生对钢琴作品进行艺术性的解读，有利于学生乐曲理解等素养的培养。
（二）立足作品创意特征实施实践指导学生在体验钢琴作品时的主观感受不同，所以教师不能运用统一性的理论指导让学生演奏钢琴乐谱，而是要立足作品创意特征实施实践指导。如一些学生未能明确把握经典作品中蕴含的情感，缺乏历史解读等能力，导致钢琴作品演绎艺术性较情感，缺乏历史解读等能力，导致钢琴作品演绎艺术性较处理曲调的转换，作品演绎存在瑕疵。团基于以上学生在钢琴演绎中存在的问题，教师应该立足作品创意特征实施实践指导，引导学生对钢琴作品的艺术性进行探索，更好地展现出艺术演奏的张力。
总之，钢琴教也需指导学生明确钢琴演奏体现的曲艺特征，合理进行曲调的处理，增加学生对乐曲艺术的解读。通过实施这样的钢琴教学，能改变理论以及演奏技巧的传输模式，增加学生对钢琴作品进行艺术处理的能力，有助于钢琴教学的创新性发展。
❸ 有没有什么学钢琴滴技巧
只要努力，就肯定会逐步提高。
现代钢琴演奏的触键方法
（一）力量的运用
在演奏时,美妙悦耳的音色与手指触键时力量的来源、力度的支配用着直接的关系。如果力量的来源不对、力量支配不科学则极有可能导致音色“虚”、“散”、手臂僵硬、力量的浪费等等问题。因此要想正确的运用力量必须要协调好身体各部位，尤其是上肢各部位。首先，把下键的手指准备好，不能松懈（但不要紧绷，否则会造成手指僵硬）。然后把手臂抬起来从大臂开始，带动小臂、手腕自然下落，把琴键弹到底。这样手臂的重量便充分的通过指尖传到键盘上。这时手指在键盘上是立住的，要有一种没有键盘的支撑手指会继续下落的感觉。手指立住后，可轻轻的晃动手臂以检查是否有“僵”、“硬”的迹象。切忌在手臂下落时僵硬的敲在键盘上，这样发出的声音不是“虚”、“散”的就是“死”的。正确触键方法发出的声音应该是清晰、明亮的，既结实又饱满，也就是有些老师常说的“通”、“透”。在这里常出现的问题是放松的度，许多人往往过度追求放松的感觉，于是出现了手指松懈、声音发“虚”等现象。这是因为过度的放松，力量肯定没有通过手指传到琴键上，这样不仅发出的声音不好，而且在快速的弹奏中还会造成音值的不平均等问题。反之，有些人过度用力，导致整个手臂带动手腕都僵成了一体，发出的声音自然发“死”并且不灵活。这两种方法都是不对的，运用力量时应当明确的是：完全的放松是无法弹奏的；胡乱用蛮力也是行不同的。必须要学会紧张与放松统一，做到“力由心生，收放自如”。
（二）手指关节的运动方式
演奏乐曲时不可能总是把手臂高高抬起然后自然下落，大多时候手指是自然的支撑在键盘上的。那么手指的各关节在弹奏中就起着至关重要的作用了。从指尖到指根共有三个关节，无论是何种触键方法都要保证一、二关节的支撑，这里就不多介绍了。关键是指根（掌关节）的运动方式，也就是颇受争议的“高位置触键方法”和“低位置触键方法”，简称“高抬指”与“贴键”。这两种方法各有优点，先说“高抬指”，所谓“高抬指”指的是把要下键的手指（或带动其他手指）的掌关节打开，手指高高抬起，然后迅速的下键。这种方法虽然对初学者比较难掌握，但有助于在钢琴上制造各种各样的音色，将钢琴的音色发挥至最大限度，一些“颗粒性”较强 的音色应用此法来演奏。所谓“贴键”就是手指自然支撑在键盘上，下键时把手指准备好（不用抬起），在键盘上直接下键。这种方法的优点是节省手指运动距离以提高速度，且不容易疲劳。个人经验以为在初学钢琴时应着重进行“高抬指”的训练。因为这种方法可以使掌关节得到充分的伸展，从而锻炼其灵活性，而且通过抬高手指然后迅速的下键能够锻炼手指的爆发力、支撑力及独立性。但是值得注意的是有些人练习此法时往往急于求成，过高的抬起手指认为可以得到更好的练习效果，其结果往往适得其反。此法会导致手指僵硬，下键得不到很好的控制，音色发“散”。就象百米起跑的运动员，不是蹲的越低起跑就越快，反而过分的蹲腿会影响起跑的质量。手指也是一样，“高抬指”只要做到适当就可以了。在实际演奏中“贴键”奏法显得尤为重要，这种方法可以使手指对琴键有着更为精确的控制。举个简单的例子：我们用脚踢门肯定没有用手推控制的好。手指在有一定的爆发力、支撑力时应多用“贴键”去控制键盘，这样的触键才会更精准的控制音色
（三）各种演奏技法的触键法
（1）“断奏”
“断奏”的一般弹法是手指自然放在键盘上，用力时利用手指、手腕的反弹力像拍皮球似的从键盘上反弹起来。声音应该是“亮”、“脆”、“富有弹性”的。“断奏”在具体弹奏中又可细分为如下几种：①“指尖断奏”：这种方法可以产生轻盈、灵巧的效果。如：演奏莫扎特的多数奏鸣曲及舒曼《儿童情景》NO.3《捉迷藏》中的“断奏”都可以用此法以表现充满愉快的生活气息和青春的活力。②“手腕断奏”：这种方法也可以弹奏的很轻巧，而且有一定的力量变化。如：贝多芬OP.2—1奏鸣曲中前两小节的几个音符就可以用此法作出渐强的递进。③“小臂断奏”：此法的效果要比前两者更有魄力，力度变化也更大，它利用小臂的迅速反弹力来弹奏。如：肖邦NO.5练习曲（黑键）中，最后两小节里的一连串八度音程用此法演奏效果会是很辉煌的！④“大臂断奏”此法不如前几种方法灵巧，稍显笨拙，但是却能使钢琴发出雄浑有力、振人心魄的声音。如：肖邦《降A大调波兰舞曲》（军队）的多数断奏都可用此法，效果是非常好的。
（2）“非连奏”
当乐谱上既有跳音又有连线记号时应用“非连奏”弹法来演奏。其方法是指尖贴在键盘上，下键前像要牢牢抓住键盘一样，下键时要慢触键，不要出现“颗粒性”的声音，也不要有连绵的声音，正确的声音应该是似断非断、如歌如诉的。它可以使乐句亲切动人，使乐曲更有表现力，也丰富了演奏者的想象力。
（3）“连奏”
当乐谱上标有连线时应用“连奏”弹法来演奏。它是利用了手指间力量的转移：即手臂重量从一个手指转移到另一手指（就像行走一样，重心从一只脚转移到另一只脚）。它要求手指有很好的支撑力和独立性。在力量转移时手臂要尽量的放松，手指不要松懈，并且不能有声音上的缝隙，要像一口气长出来的那样连贯。
（4）“双音、八度、和弦”奏法
双音或两个以上的音一起弹奏和单音的弹奏是不同的。它最重要的是整齐，不能有参差不起的落键。具体方法如下：大臂先自然的下去，保证力量要通畅的贯穿整个手臂，下键前触键的手指要充分的准备好，甚至做好一个牢固的手型以保证在弹奏前就对声音牢牢的掌握住，要有抓住键盘的感觉，最后下键的一瞬间要保证手指整齐的触键。这样发出的声音才洪亮、整齐。
心得
钢琴演奏心得
突破钢琴演奏的时间、技巧瓶颈 (转) 关于如何提高练习效果的讨论很多，结果刚好有看到几篇相关的好文章，
整理一下发上来，和大家分享。一、用心思考，倾听自己每次重复练习的结果。很多同学练琴的时候，都是一次又
一次的做机械式的反复练习，可能他已经练了第二十遍了，可是效果比第一次都差。也就是说它他费了十九次的时
间，却从来不停下来思考他多练一次的目的是什么？可能他已经背会了，还不知道所弹的曲子是什么？谁作的？什
么调？什么拍号？不信？请马上自检一下哦。因此练习时，首先养成用心观察的习惯，不要随便放过任何的一个弧
线，记号，然后牢牢记住。弹奏时你一定要知道：1、每个音的意义：它是主音，经过音或是伴奏，以及在这个乐
句所占的位置......等等。2、每一个乐句进行的过程：前后的关系，是问句，还是答句，还是连接句？3、每句即每
段的重点：想一下，平常你讲的每一句话，有没有重点？有没有语调？音乐就如同讲话一般有抑扬顿挫，才能引人
入胜至忘我境界。4、主题的特点及分句：要知道所弹的主体特性是柔还是刚，乐句的划分，和在何处呼吸。5、注
意对位及伴奏乐段：对旋律是否迷失，伴奏是否起衬托主旋律的作用。做到以上几点，就算是了解这首乐曲了，一
位演奏者必须了解乐曲，才能把音乐表现给别人。 二、练琴不一定在琴键上1、技巧并非纯粹是肌肉运动的问题，
又是加上"精神控制"及"思考"可以把你认为不可能弹好的困难乐段给解决了。当你遇上困难时，不妨静下来研究如
何运用肌肉的运动感觉，试着找困难的原因，然后集中精神，将手指放在琴键上作无声的弹奏，然后把琴盖上，就
在琴盖上练习，当习惯了肌肉运动后，移到琴键上，你可以发觉容易多了，而你也在不知不觉中学会了"无声练
习"，对背谱及想象有莫大的帮助。2、注意正确的指法 指法因人而异，有些版本的指法的确不当，所以练习前先
找出正确的指法，然后每次练习都用同样的指法。好的指法会帮助你把乐句分的更清楚。开始可多参考几种版本，
仔细研究其指法的差异，不久之后就会发现好的指法是有规律可循的。3、不要过分重视技巧而忽略音乐，更不因
为放松忘了用手指及头脑来控制每一个音响。4、永远都要记得，演奏只有第一次。很多人知道错了，以为下一次 便不会错，或者下一次再改吧！养成习惯后，你的第一次，不管上课，或演奏总会失败。要知道一场演奏会是没有
让我们再弹一次的机会。所以自练琴起，每次都要当作只有这一次机会的态度，不要有下一次的念头。5、联系困
难乐段时，何妨改变成加一些音，成为比它更复杂，等到你连原谱时，会 发觉灵巧，容易多了。6、不要忘记，所
谓"技巧"是要能弹出正确的音，正确的拍子，达到要求的速度，选择正确的音质与音量。7、技巧的练习时每日不断
的，名钢琴家巴克豪斯(Backhaus）八十岁手指还是灵活异常，他说"就是每天练音阶，琶音的结果"三、用耳朵弹
琴1、一般学生，在练习时知道利用头脑、手指、眼睛及心中的感觉，却忽略了最重要的听觉。因此很多弹过的旧
曲子，听到别人弹时，只觉得很熟，却不记得哪里听过。或者在渐强、渐弱的乐段，他感觉做到，但却没有听他做
到。如果你能清楚地听到弹出十五次四个八度的音阶琶音从ppp~fff间挤进十五个等级即ppp pp p mp mf f f
f fff的中间还能再加一级。这才表示你有能力弹渐强渐弱。2、用耳朵听出旋律是否清楚，不与伴奏混乱，每一个主
题或声部的特点，音的时值是否正确。3、在大声雄壮的乐段中，用耳朵听清楚每个和弦是否干净，扎实而不硬。
4、也许你的谱上已画上了许多踏板记号，最重要的是用听觉去分析及判断。每架钢琴所踏的深浅，甚至场地的不
同会有所改变。 5、你能只看谱不在琴键上，而能在心中"听"音乐吗？这是读谱的重要阶段，愈早养成习惯，你就随时可以练琴，甚至新谱看过后就能演奏。像大钢琴家鲁宾斯坦就曾在演出的当天才看到维拉?罗伯斯（Villa?Lobo
s）所作献给他首演的谱子，晚上就演出了。以上几点，所强调的就是要让自己的耳朵"听到"自己所弹的才算做到，
也才有更深入一步了解或表现音乐的希望。 呵呵，晕了吧,说起来一套一套，真正实践起来那就难咯,努力吧 ！
希望这些能对你有用，祝愿你天天开心。
❹ 弹钢琴时候如何做好呼吸
钢琴大师贝尔曼说，弹琴的人要有三个肺，也就是要有三个部位来呼吸，即嘴巴呼吸、双臂呼吸和手腕呼吸。嘴巴呼吸不单是一种生理意义上的呼吸，在很多时候，它可以帮助我们在演奏中从心理意识上做好呼吸的预备，给意识以“暗示”双臂呼吸;特别适合于那些篇幅较长、气息要求延绵的乐段，手臂的放松和调节给予音乐连贯性和流畅感;而手腕的呼吸是运用最普遍、也出现得最多的呼吸手段，如连线的划分，通过手腕力量的“上抬”和“下沉”也可以实现乐句起伏中形成的“气息”。
在钢琴演奏中许多技巧也需要有呼吸的配合来完成，比如在演奏强力度的和弦时，如果只靠手和臂的力量，往往达不到作品所需要的音响、力度效果。这时我们就要用气息的支持，气沉丹田，我们常常提到的“腰部力量”就是气息在支持，这股力量由背、肩、臂一直贯通到手指，加上了气息的力量就会感到手臂力量大大增加，演奏出的和弦也就有力而扎实。
扩展到整个乐段的和弦，更需要有气息的力量加入，身体状态才会积极起来，从而达到演奏效果。例如李斯特《匈牙利狂想曲第十一首》的尾声部分，音乐雄壮有力，情绪高涨积极，节奏欢快迅速，呼吸在这段音乐演奏的运用要积极，但不能提气，还是要气息扎稳，才会有力量的支持。
还有一点应该注意，在演奏中要尊重作曲家的创作意图，理解乐曲的上的所有标记，注意正确运用呼吸来表现强弱层次的变化、表情术语的渲染等，从而得到丰富的声音色彩，增强乐曲的艺术感染力。
另外，起拍时的呼吸，就相当于指挥中的“预示拍”，包含了乐曲的速度、情绪、力度等。在演奏起拍时的呼吸节奏要与所演奏的作品速度、情绪、力度保持一致，如果乐曲是以抒情慢板开始的，触键前的呼吸则要深而缓慢;如果是一个急促的快板，在下键前的一刹那要急吸一口气。起拍的呼吸，要根据全曲的风格而定。掌握科学的呼吸理论，并运用到自己的演奏中，有助于表达出音乐的真谛。
孩子启蒙阶段学钢琴，可以尝试在线学钢琴。在iPad里试试【音乐蜂巢】这个软件，在家就能上课，陪练永久免费，我家孩子跟着学了两年，效果还挺好的，而且还赠送钢琴使用权。
`
❺ 哪位知道气息在钢琴演奏中的重要性
一、培养倾听音乐的心理功能
英国音乐心理学家柏西·布克指出：“不要以为这是一条不重要的真理，即‘听’是耳朵的功能，而‘凝神细听’则是一种心理功能”。②钢琴的发音过程很简单，只要琴上的榔头敲击琴弦，立刻就会发出声音，不像其他乐器演奏，还得考虑其音准、运弓、揉弦、气息等等。听的过程往往有一定的被动性。不是所有学习钢琴的人，一开始就都具有倾听音乐的习惯和能力。因此，必须强调从学琴开始就要努力培养这种能力，而且，从一点一滴地做起，需要经过一个由少到多、由浅到深的积累过程。这样的训练当达到一定程度的时候，听觉心理功能方可建立。
二、重视音乐听觉的系统训练
在音乐院校许多必修课中，视唱练耳是系统训练音乐听觉极为重要的课程，必须引起高度重视。学习视唱练耳的目的就是“组织和发展学生的音乐听觉，训练其积极的将听觉运用到创作表演实际中去”⑦。“工欲善其事，先必利其器”，这句俗语借用在需要敏锐听觉的钢琴演奏者身上再恰当不过了。音乐听觉是他们的锐利武器，欲表现完美无瑕的音乐，需具备超越的音乐听觉能力，这几乎是所有人的共识。必须郑重指出，在视唱练耳课堂接受系统的听觉训练，就是为培养学生建立敏锐的听觉”武器”，为音乐演奏、音乐创作打下坚实的基础，这一点丝毫不能低估。
关于怎样学好钢琴呢？1：要喜欢弹钢琴，2：要相信自己可以学好，3：要从基础练习学这很重要，4：你可以买个节拍器。（它可以有效的控制你的速度，不会让你的曲子忽快忽慢，使你的曲子更有节奏感，可以说他是你的好老师），5：多看看有关书籍和多听有关的CD或者现场版的演凑，6：多向懂这方面的人提问和交流，7:要坚持每天练习；最好是找到好的钢琴老师，祝你成功！！！
❻ 弹钢琴是怎样做到呼吸
俗话说抑扬顿挫，音乐也是如此。音乐实际上是另外一种语言，我不懂你所说的呼吸是什么意思，在我的理解你所说的呼吸很可能是“情感”
音乐的表达形式很多，我想你应该是个初学者，在不严格要求拍子的情况下可以适当的通过速度来表达你所要表达的情绪，当然强弱也是表达音乐情感的一种方式。我不是专业弹钢琴的，我是搞作曲配器的，我想你所说的呼吸应该就是情感的意思
❼ 学钢琴的手法和方法
基础钢琴学习方法 钢琴练习的基本步骤 练习的程序
许多学生会用下列的练习程序
首先，先练习音阶或是做一些技巧练习，直到手指灵活。如果你还有时间去做一些
技巧性的练习，例如哈农练习曲之类的，就继续练习 30 分钟或更久。
然后开始练习一些新曲子，先从头开始读个一两页，双手慢慢的弹。重复慢慢的弹，
直到逐渐熟练后，再慢慢增加速度直到曲子的速度。在慢慢增加速度的时候，节拍
器也常被用到。
两个小时的练习后，手指已经完全放开，能飞快的弹奏，这时候，你几乎可以用随
心所欲的速度弹奏。最后，也练累了，可以放松一下，随心所欲的弹曲子，这时候
才能真正享受音乐。
在演奏会或是上课的当天，再用演奏的速度（或更快）练习要上课或演奏的曲子，
能练几次，就练几次，以确认他们是彻底的熟练，并且维持在巅峰状态。这是最后
的练习机会，当然，多练习是好的。
上面的练习步骤根本就是错误的！
这些步骤会使学生很难跨过中等程度，纵使他们每天练习数小时。如果你看了下面
一些更有效率的方法，你就会更了解为甚么？例如，上述的方法并没有告诉学生，
如果他们碰到一段很困难的乐句，除了不断的重复练习之外，该如何做，他们甚至
不知道这辈子甚么时候能学会这些技巧。它将如何练习这件事，完全交给学生自己
处理。甚者，他们在演奏会时的弹奏将会平淡无奇，而且经常出错，我们会在下面
讨论这个现象。这个章节将会解释这些步骤为何是错误的，你将会知道为何演奏会
的弹奏会平淡无奇，为何错误的方法导致弹错。更重要的是，你会知道正确的方法。
没有进步是大多数学生放弃学琴的主因。学生，特别是年轻的学生，都是聪明的，
却为何练 得 这么累，而没有进步呢？给予学生奖赏，他们会比你想象的投入更多。
你可以是个医生、科学家、律师、运动员，或是任何职业，同时，你也可以是个钢
琴家。因为有些方法，能让你在很短的时间里学会这些技巧，我们很快的就会看到
这些方法。
值得一提的是，上面的练习程序是“直觉”的方法 。如果一个平常人，被困在一个
荒岛上，只有一台钢琴，他如果决定弹钢琴，他大约会使用上面的练习程序。也就
是说，如果一个老师教学生这个方法，那跟没教一样，因为这是直觉上的方法。当
我开始为这本书收集“正确的练习方法”，才惊觉到它竟有如此之多。我会解释为
何他们是反直觉的，这也解释了为何大多数老师会选择直觉性的方法。
这些老师或许从不知道正确的方法，所以很自然的选择了直觉性的方法。然而，反
直觉的方法比直觉方法 更难被采用， 因为你的大脑会告诉你，这些反直觉的方法
是不对的，而倾向于去使用直觉的方法。这些信息在上课或演奏会前，常常不可抗
拒 ━ 试着在 非正式的情况下告诉学生，在练习结束前，不要弹奏练好的曲子，或
是不要在演奏会当天用演奏速度练习。不只是学生跟老师、家长、朋友、任何对年
轻学生的练习有影响的人。 如果家长没有被告知，那么他们通常会强迫孩子们去用
直觉的方法 。这也就是为甚么好的老师都会要求家长陪同小朋友上课。如果家长没
有参与，那几乎可以确定家长会要求小朋友用跟老师所教不同的方法。
学生如果一开始就用正确的方法，显然是幸运的一群。但是，往后他们必需相当的
留意，因为他们不知道错误的方法。一旦没有老师在旁督促，很容易陷入这些直觉
的方法，而不知为何一切都不对劲。就像是一只熊，从未看过捕熊的陷阱 ━ 它当
然会陷入陷阱当中。这些幸运儿，同样不善于教学，因为这些正确的方法对他们而
言是理所当然的，而不能去理解为何其他人会用不同的方法。他们可能不知道，这
些正确的方法是 需 要被教授的，一些直觉的方法却会带来灾难。很多理所当然的
事，很难去解释，因为我们都不会花太多时间去思考它。我们绝不能理解英文到底
有多难，直到我们去教一个日本人英文。另一方面，一开始 就 使用直觉方法的学
生，尔后学习更好的方法，能有 意料之外 的好处。他们同时知道正确与不正确的
方法，通常会 成为好 老师。 虽然这个章节是讲正确的方法，但是了解哪些是不应
该去做的、及不应该的原因 ，也是同等的重要。这就是为何一些常见的错误方法一
再的在此讨论；它会帮助我们了解正确的方法。 手型
每个人都有自己的手型，显然对于手型，并没有严格的规范。唯一的原则可以说是：
手指要放在最放松及最有力的位置。首先，将手握拳握紧，然后张开尽量伸展，再
将手指完全放松。维持这种放松的状态，将手放在一个平面上，所有手指都放在平
面上，手腕的高度跟第一关节（手指作靠近手掌的关节）同高。此时，手指跟手掌
应该呈一个圆顶状。所有的手指都是弯曲的，拇指应微微指向下，并稍微向其它四
指弯曲，所以拇指的最后一节是与其它指平行 的 。当弹奏和弦或是大跨距时，保
持拇指向内微弯是很重要的。保持拇指的最后一节与琴键平行，会减少碰触到旁边
的键的机会。这个姿势，也让拇指在抬起与放下时，使用正确的肌肉。其它各指都
是微微弯曲，手指放在琴键上，与琴键呈 45 度。这个姿势可以让手指能够弹奏黑
键之间的位置。拇指与其它各指的指尖约略呈一个半圆形。这是一个很好的起始手
型。
你可以依照自己的弹奏型态来修正手型。如果你将两手同时以这个姿势摆在琴键上，
两手的拇指指甲应该是面对面。用拇指指甲下方的肌肉来弹奏，不是关节。对于其
它的手指，骨头（的末端）已经非常靠近指尖了，在指尖进来一点（不是往指甲的
方向），这里的指肉会稍微厚一点，用这个地方（译注：指尖与指腹之间的肉）与
琴键接触，不是指尖。 这只是一个建议的起始手型，一但你开始弹奏，这个手型就完全不是这个样子了。
你可能需要更加伸展手指，也可能更加弯曲，那要看你弹奏什么。座椅的高度以及与琴的距离
座椅的高度以及与琴的距离也是因人而异。以下的方法可以是个好的起始点。坐在
座椅上，手肘在身体旁边，手臂与琴键平行。手放在琴键上呈弹奏姿态，此时，手
肘应与琴键同高。将双手放在白键上呈弹奏姿势，将手肘往身体靠近，如果手肘能
刚好闪过身体，这时候，椅子与钢琴之间的距离就是适当的距离。不要坐在椅子的
正中间，要稍微靠近前缘（译注：不要将椅子坐满，大约椅子前三分之一端）。
对于弹奏强音的和弦时，椅子的高度与距离很重要。因此，你可以同时弹奏两个都
在黑键上的和弦，尽其所能的弹大声，来测试你的位子是否适当。这两个和弦是：
左手弹 C2#, G2#,C3# (5,2,1) ；右手弹 C5#, G5#, C6# (1,2,5) 。身体微微前倾，
用整个手臂与肩膀的力量去弹，弹一个像雷声一般的音。确认肩膀是有用到的，只
用手与手臂弹奏不出震撼的强音。力量要从身体与肩膀发出。如果能很舒服的弹奏
这个强音，那椅子的高度与距离是合适的。 开始练一首新曲子：分析与聆听
对于一首新曲子，读谱并视奏，能够知道这首曲子听起来怎样。要熟悉一首曲子最
好的方法是聆听演奏（录音）。有些评论认为，在学习一个新曲目前先听别人的演
奏是一种“欺骗”的行为，这实在是没有根据的说法。学生或许会模仿录音的演奏
方式，而不是自己的表现。但是，模仿他人演奏几乎是不可能的，因为演奏是极端
个人化的。在 1-IV-3 节中， 我们以数学“证明”这个不可能性。这个事实，或许
能让一些抱怨自己未能模仿名家演奏的学生感到释怀。可能的话，多听几个不同的
录音，如此能开拓不同的视野。不听别人的演奏，就好像叫人不要去学校，因为这
会阻碍你的创造力。有些学生认为，听别人的演奏是浪费时间，因为他们永远不可
能弹得这么好。想想，如果本书的方法，不能让人弹得“这么好”，那我也不必写
这本书了！当学生听过几个不同的版本，通常他们会觉得，不是每个录音都是很好
的，甚至于他们会比较喜欢自己的演奏更甚于某一些录音。
下一个步骤是分析一个曲子的结构，曲子的结构会影响我们如何去练这首曲子。让
我们用贝多芬的《给爱丽丝》作为例子。前面的 4 个小节总共出现 15 次，如果练
会这 4 个小节，这首曲子等于学会了一半（本曲共 125 小节）。另外 6 个小节也
重复了 4 次，所以只要练会 10 个小节，就等于学会了 70% 。使用本书的方法，
这首曲子的 70% 可以在 30 分钟内背下来，因为这几个小节相当简单。使用这个方
法，你也能在练习时，同时背谱。在这些重复的小节当中，有两个间奏是不容易的。
当你使用下述的方法，练会这两个间奏，然后跟其它重复的小节接在一起 ━ 这样
就练起来了，而且也背下来了！当然，练会这两个间奏，是学这首曲子的关键，我
们将在下一节详述。学过两年琴的学生，应该在 2~5 天学会这首曲子，而且能够背
谱。这个时候，老师们就可以针对音乐内涵做一些琢磨了；至于这要花多少时间，
就因人而异了。就音乐表现的观点来看，你永远不可能弹完一首曲子。
准备的功课到此告一段落，我们可以开始练习的课程。 快速获得技巧的秘密就是，
将困难的段落，转换成为较容易弹奏的段落。我们现在能进入这些天才们的思维旅
程，他们发现了这些极有效率的钢琴练习法。 从最困难的段落开始练习
让我们回到《给爱丽丝》这首曲子。有两段长 16 及 23 小节的间奏，夹在这些重
覆的段落中。这是这首曲子当中最困难的地方。学一首曲子，要从最困难的段落开
始。理由很明显，因为你要花最长的时间来练习最困难的段落，所以你要多花一些
时间。如果你将最困难的段落留在最后，当你要演奏时，你会发现这将是你最弱的
一环，而常在这里遇到困难。很多曲子的结尾是最精采、最有趣、又最困难的，你
或许会从曲子的最后开始练起。有好几个乐章的曲子，你大多会从最后一个乐章的
最后开始练起。 将困难的段落缩短：段落式的练习
（一小节，一小节的练）
练习的诀窍中，最重要的就是“选择一个较短的练习段落” 。这个诀窍可以说是缩
短练习时间最显着的方法，因为以下几个原因：
对任何一个困难的段落，例如10个小节，通常只有几个音符会绊住你。除了这几个
音符，你实在不需特别去练其它的。如果这10个小节，每个小节有8个音符，但是只
有4个音符是困难的，那只要练好这4个音符，等于练好10个小节，这样可以节省相
当多的练习时间。让我们看看《给爱丽丝》这两段间奏，看看这两段，找出最困难
的小节。应该是第一个间奏的第一小节及最后 5个小节，或是第二个间奏最后的琶
音。对于困难的段落，找到适当的指法非常重要，并确定你能很舒服的使用这个指
法。
在第一段间奏的最后5小节，困难点在右手，大多是 1,5指的指法。第2指在某些地
方也是很重要的，但是另一个选择是用第1指。使用第2指是传统的指法，这样能够
提供较佳的控制与流畅性。当然，用第1指较容易记住，如果你有一段时间没有弹这
首曲子，它能发挥救生圈的作用。当你选择一个指法，要坚持自始至终都使用这个
指法，这一点非常重要。在第二段间奏的琶音部分，使用 1231354321 的指法，用
拇指在上（Thumb over）或是拇指在下（Thumb under）的指法（参阅1-III-5节）
都可以，因为这一段的速度并不太快，但是我个人较喜欢用拇指在上的指法，因为
拇指在下的指法需要一些手腕的动作，而这些额外的动作比较容易出错。
选择较小的练习段落，可以让你在短时间内一直重复这个段落数十次、数百次 。快
速、连续的重复是让你的手学习新动作的最好方法。如果数个难弹的音符，夹在一
个很长的练习段落中，这样练习这些难弹的音符的间隔时间会拉长，而且这些夹在
中间的其它音符，会让手在学习新动作时产生阻碍，使学习变慢。这个效应在1-IV-5节
中有定量化的计算，这个计算提供了本书中所宣示可以1000倍学习速度的基础。
我们都知道，用比你技巧所能发挥还要快的速度去弹奏，是有害的。但是，选择越
短的练习段落，你就能以越快的速度练习，且能减低不良的副作用。 刚开始时，大
多会选择以一个小节或更短的练习段落，通常只有两个音符。选择这么短的练习段
落，可以让你在几分钟内学好任何困难的段落。因此你可以用演奏速度或更快的速
度来练习，这是一个理想的状况，因为这可以节省很多时间。然而在直觉的方法中，
你大多是以较慢的速度练习